Acoustique et Musique

Emile Leipp, 2011

Presses de l’Ecole des mines – 376 pages – ISBN 9782911256394

Cet ouvrage d’Emile Leipp (1913-1986) présente l’acoustique dans son sens le plus large, c’est à dire « la science générale des sons perçus et intégrés par l’homme ». Depuis 1984, date de la 4ème et dernière édition, l’acoustique s’est considérablement développée, mais aucun livre n’est venu remplacer Acoustique et musique publié pour la première fois en 1971 et devenu introuvable. Le lecteur y trouvera exposé l’ensemble des questions relatives au son dans ses rapports avec la musique : production, perception, principes de fonctionnement des instruments de musique, caractérisation des lieux d’écoute. Sa rédaction claire et vivante a fait la réputation d’Acoustique et Musique. Ce livre est pour tout lecteur néophyte l’introduction à l’acoustique qui lui permettra d’aborder ensuite l’abondante littérature spécialisée.

Antheil et le traité d’harmonie

Ezra Pound, 2015

PIERRE-GUILLAUME DE ROUX – 192 pages – ISBN 9782363711168

En 1913-1914, il n y a rien, en musique contemporaine, qui corresponde à Wyndham Lewis, Pablo Picasso ou Gaudier-Brzeska. Stravinsky a, certes, bousculé Debussy. Mais sans dissiper le brouillard où s’est égarée la musique depuis le long déclin du contrepoint jusqu à l’harmonie et Schönberg. Le Ballet mécanique (1926) de George Antheil (1900-1959) jeune compositeur américain qu’Ezra Pound rencontre, en 1921, à Paris, ouvre une nouvelle voie : « La musique qu’on enseigne dans les académies s’occupe de l’organisation de particules sonores, de sons qui présentent certaines variations à l’intérieur de la seconde, […] d’une minute ou de dix minutes, ou, dans les grandes formes, d’une demi-heure. Mais, en nous emparant des durées plus longues, nous voyons la possibilité de tempo-spatialiser le cliquetis, le grincement, le whang-whang et le gnnrrr d’une salle des machines, de sorte que la journée de huit heures ait son rythme, que les ouvriers, aux machines, soient démécanisés et ne travaillent pas comme des robots, mais comme les membres d’un orchestre. […] Et c’est bel et bien un nouvel acte musical ; une nouvelle saisie de la vie par l’art, une nouvelle époque, une rupture avec les habitudes d’assentiment plus grande qu’aucune rupture accomplie par Bach ou par Beethoven […] » Antheil n’avait-il pas annoncé son intention de « mettre au même diapason des villes entières » ? Ce coup d’œil ironique sur des siècles de connaissances musicales mal acquises rend au génie d’Ezra Pound, alias William Atheling, toute sa mesure : c’est en dépouillant l’art de ses scories et aberrations qu’il le rapporte à son essence singulière, et qu’il en ressuscite la forme pure au cœur d’un souffle, d’un « temps » nouveau. Pour la première fois est publiée, en français, l’intégralité de ce texte où brille la causticité d’Ezra Pound (1885-1972), l’homme qui révolutionna la poésie anglo-saxonne et fut, aussi, un grand critique à l’écoute de toutes les nouveautés esthétiques.

Argument son

Diedrich Diederichsen, 2007

Les Presses du réel – 252 pages – ISBN 9782840661405

La musique à l’ère de sa reproductibilité numérique, tel pourrait être le sous-titre de ce recueil de textes, où se croisent Matthew Herbert et Mick Jagger, The Melvins et Joe Meek, Sinnead O’Connor, titan Douglas cet Quentin Tarantino. Contrairement aux apparences, la manière de recevoir la musique est essentiellement une manière de recevoir le monde qui nous entoure. de l’accepter aveuglément ou de le refuser obstinément, de le réfléchir ou pas, d’erre actif ou passif face à lui. Le premier intérêt des textes de Diedrich Diederichsen, un intérêt primordial, est sans conteste de briser le mur de l’évidence musicale et de réinsérer les questionnements que contiennent en germe des musiques auxquelles on refuse souvent d’accorder une réelle teneur, que ce soit par indifférence, par mépris envers ce que l’on considère comme une musique légère ou inférieure, ou encore par admiration, une admiration qui confine à l’identification muette. Diederichsen, lui, se met à l’écoute de ces musiques – jazz, rock, pop, rap, techno, musique contemporaine – réellement, passionnément et, précisément parce que cette écoute est passionnée, il entend ce que ces musiques portent en elles : quant à leur fabrication, quant aux images qu’elles coagulent, quant aux connexions multiples qu’elles établissent arec dites aspects de la culture et de la société. Expliciter ces contenus sans simplifier ou schématiser les choses, respecter less objets questionnés dans leur complexité. tenter de rendre compte des multiples dimensions, parfois contradictoires, qui font la richesse de ces musiques: l’auteur s’est fixé là une tâche difficile. Voilà pourquoi ses textes peuvent parfois paraître complexes, mais voilà aussi ce qui, toujours, en fait l’intérêt, car ils nous parlent et nous interrogent jusqu’à nos positions personnelles les plus intimes

Au coeur de la création musicale

Myriam Tétaz-Gramegna, 2018

La bibliothèque des arts – 183 pages – ISBN 9782884532174

Il s’agit d’entretiens que l’auteur, responsable de la rubrique  » Musique classique  » dans un quotidien suisse, a conduits au fil des années. Elle a retrouvé, enregistrés sur bandes magnétiques, l’entier des propos qu’elle avait échangés avec ces compositeurs aujourd’hui pour la plupart décédés. Ce sont des textes qui n’avaient trouvé place dans ses chroniques. Les transcrivant, elle nous restitue ici ces moments privilégiés. Ce furent parfois de brefs entretiens recueillis à l’occasion d’une création, d’une invitation, d’un festival, d’une tournée d’orchestre. Ils eurent lieu dans une loge d’artiste, un café, ou une salle de répétition ; d’autres fois, de longues conversations se déroulèrent chez les compositeurs eux-mêmes. A chaque fois, des moments uniques. L’auteur a eu soin de rédiger sous une forme propre à la lecture, sans les trahir, les conversations qu’il n’était pas possible de transcrire telles quelles, avec leurs hésitations, leurs répétitions, leurs aller-retour d’un sujet à l’autre. Toujours passionnants par la spontanéité, l’honnêteté, la lucidité des paroles prononcées, ce sont vingt et un instantanés ; des instantanés parce qu’ils rapportent les propos d’un moment, d’une étape dans la carrière des principaux compositeurs qui ont fait la musique du 20e siècle. Et ouvert les portes du 21e siècle. Pris sur le vif, ces compositeurs l’ont aussi été par la caméra de l’auteur. En effet, elle a photographié chacun d’eux à l’occasion des interviews, ce qui confère à ce livre un caractère d’intimité complice.

Broken Music

Ursula Block, 1989

Berliner Ku?nstlerprogramm des DAAD – 278 pages – ISBN 3893570136

Bruits

Jacques Attali, 2007

LGF/Le Livre de Poche – 281 pages – ISBN 9782253038481

Ni ouvrage musicologique, ni traité sociologique savant, Bruits a pour ambition d’être un essai sur l’économie politique de la musique. Ou comment, depuis toujours, la musique accompagne-t-elle, voire précède-t-elle, l’évolution de la société. Jacques Attali égrène les pages de l’ère occidentale dans un constant va-et-vient entre musique, pouvoir et argent ; de la liturgie comme symbole du rituel à l’émergence du téléchargement de la musique sur le web, annonciateur d’une nouvelle forme de capitalisme culturel. N’en déplaise à ses éventuels détracteurs, ce livre marque un jalon dans la sociologie musicale. C’est que, loin des pamphlets ou des prédictions de sorciers, Bruits est avant tout une démonstration qui prend appui sur des faits historiques dont il serait difficile de contester la véracité. L’intérêt de cet essai se trouve aussi dans la théorie que l’auteur réussit à nous faire partager avec intérêt : depuis quelques années se développe le plaisir de faire de la musique pour soi, pour les autres, à mille lieux des contingences économiques précédemment décrites. La séduction opère. Auteur prolixe, l’ex-conseiller de François Mitterrand à l’Élysée dans les années quatre-vingt propose une remise à jour réussie d’un ouvrage paru pour la première fois en 1977. –Pierre Guillaume

Bruits, cris, musiques de films : Les projections avant 1914

Martin Barnier, 2011

PU Rennes – 303 pages – ISBN 9782753512030

La description classique de l’accompagnement du film muet consiste à dire qu’un pianiste ou un orchestre jouait pendant la projection. Cet ouvrage a pour ambition de retrouver la réalité complexe des spectacles cinématographiques avant 1914, dont le spectre d’écoute était d’une variété extrême. En explorant les archives municipales, les rubriques des spectacles des quotidiens locaux, la presse corporative, aussi bien qu’en observant les cartes postales de l’époque, on découvre un capharnaüm littéralement inouï. La multitude des lieux de projection explique l’éventail infini des sons entendus par les spectateurs. Car ceux-ci ont découvert les films dans des cafés, des music-halls, des grands magasins, des cirques aussi bien que dans des églises, des salles de classe ou même des patinoires ! L’étude d’un grand nombre de villes françaises donne une idée précise de la vie pendant les projections. Le foisonnement sonore permet de redécouvrir l’expérience du spectateur de la Belle Époque. L’importance de la participation du public est un point fondamental. Les cris, applaudissements et paroles diverses dans des patois variés, accompagnaient les films. Les projections étaient vivantes et, à chaque fois, uniques. Sur les champs de foire, les machines à vapeur – dynamo vrombissantes, les grognements des fauves et le vacarme des orchestrions résonnaient plus fort que le piano. Dans des lieux plus calmes, les paroles des conférenciers, des prêtres, des vulgarisateurs scientifiques et des bonimenteurs captaient l’attention de l’auditoire. Les bruiteurs, eux aussi, influençaient la vision des films et les musiciens, dans des orchestres de toutes tailles rivalisaient avec les chanteurs d’opéra pour amplifier l’émotion provoquée par les images en mouvement. Enfin, la synchronisation mécanique des films était bien plus courante qu’on ne le pense. C’est cette diversité sonore oubliée que ce livre entend remettre en oreille. Ce faisant, il déplace la façon dont l’historiographie traditionnelle présente la réception des films.

Ceal Floyer. Ediz. italiana, inglese e tedesca

Seal Floyer, 2014

Mousse Publishing – 112 pages – ISBN 9788867490851

Chasin’the trane: John Coltrane

J.C. Thomas, 1984

Denoël – 312 pages – ISBN 9782207230077

Chorales pour orgues de J.-S. Bach

Jacques Chailley, 2000

Alphonse Leduc – 268 pages – ISBN 2856890113

Cinéma et musique : accords parfaits – Dialogues avec des compositeurs et des cinéastes

José Moure, 2014

LES IMPRESSIONS NOUVELLES EDITIONS – 208 pages – ISBN 9782874491900

Commentaires sur le rock

Luciano Berio, 2006

Farândola – 15 pages – ISBN 2916836012

Composing for the films

Theodor Adorno, 2007

Continuum Intl Pub Group – 133 pages – ISBN 9780826499028

This classic account of the nature of film music aesthetics was first published in 1947. Its value comes from a unique combination of talents and experience enjoyed by the book’s authors. Eisler’s time at Hollywood gave him a particular insight on the technical questions which arise for composers when music is used in the production of films; while Adorno was able to contribute on wide aesthetic and sociological matters as well as specifically musical questions. Above all, the authors envisaged the book as a contribution to the study of modern, industrialised culture; and, in this respect, it has a particular importance to the whole area of cultural studies.

Conversations avec John Cage

Richard Kostelanetz, 2000

Editions des Syrtes – 397 pages – ISBN 9782845450097

 » Qui est John Cage ?  » Les initiatives de ce compositeur rigoureux et libre ont toujours suscité une intense curiosité à laquelle il répondit généreusement tout au long de sa carrière dans quantité d’entretiens imprimés ou enregistrés. Richard Kostelanetz, poète, essayiste, propose ici une formule nouvelle : un vaste montage réalisé à partir des interviews de Cage, dont il a extrait des passages regroupés en chapitres thématiques. Les Conversations nous éclairent sur l’immense projet de cet artiste protéiforme.  » Qui est John Cage ?  » La question posée en 1960 par le compositeur La Monte Young trouve ici ses réponses : découvreur de sons inouïs, inventeur du  » piano préparé « , penseur pacifiste proche de l’anarchisme, orientaliste néo-dada zen, admirateur d’Erik Satie, élève de Schoenberg, fils d’inventeur, créateur hanté d’indétermination, mycologue reconnu, champion d’échecs, peintre, graveur, enseignant à la New School, poète en quête de formes inédites, directeur musical de la compagnie de ballets Merce Cunningham… Une boulimie créatrice, un appétit d’exister que l’intéressé justifiait ainsi :  » On a tout le temps qu’on veut pour étudier la musique mais, pour vivre, ce temps nous est compté. Car vivre est l’affaire de chaque instant.  » Schoenberg, interrogé un jour pour savoir s’il avait jamais eu un élève intéressant aux Etats-Unis, répondit :  » Oui, un seul : John Cage. Mais ce n’est pas un compositeur, c’est un inventeur de génie. « 

Creedence Clearwater Revival

Steven Jezo-Vannier, 2015

Le mot et le reste – 262 pages – ISBN 9782360541744

Les quatre musiciens de Creedence Clearwater Revival inventent un genre, le swamp rock, qui concentre dans des merveilles d’épure l’âme d’une Louisiane fantasmée entre country, blues et vaudou. L’énigmatique leader John Fogerty chante avec panache les gens ordinaires et les laissés-pour-compte, mêlant évocations de la route et des forces de la nuit dans des morceaux dont la liste, de « Proud Mary » à « Bad Moon Rising », étourdit par le nombre de reprises qui en ont été faites. Et c’est l’Amérique entière qui se dévoile dans le destin de ce groupe avec ses racines, ses doutes et ses contradictions.

De Schönberg à Cage : Essai sur la notion d’espace sonore dans la musique contemporaine

Francis Bayer, 2000

Klincksieck – 218 pages – ISBN 2252025611

Cet ouvrage articule autour du concept d’espace sonore toute une réflexion esthétique portant sur les principaux éléments du langage musical au XXe siècle. De Schönberg à Cage, en passant par Berg, Webern, Boulez, Stockhausen, Xenakis, Ligeti et bien d’autres encore, les compositeurs contemporains les plus importants sont ainsi étudiés sous l’angle de leur contribution particulière à l’élaboration de cette nouvelle morphologie de l’espace musical. De l’examen approfondi de leurs écrits théoriques et de l’analyse détaillée de leurs oeuvres se dégage ainsi un réseau de nouveaux modèles analytiques qui permet de serrer au plus près la réalité du langage musical contemporain. Illustré de nombreux exemples musicaux, ce livre s’adresse aussi bien au musicien professionnel qu’à l’amateur éclairé ou au profane en quête d’informations claires et précises sur la musique moderne.

De l’écriture sonore

Daniel Deshays, 1999

Entre/vues – 239 pages – ISBN 2913012019

L’enregistrement a bouleversé notre conscience du temps. L’instant, déjà révélé par l’acte photographique, se trouve comme épaissi par la prise de son. La fixation du temps invite à la réécoute. Elle organise le récit de ce déroulement temporel. Prendre le son répond à la nécessité de produire de la mémoire. D’abord mémoire de son acte, la prise de son figure la présence du passé. Prélèvement du monde, elle est aussi une inscription du corps. Si la prise de son produit de l’écrit en fabriquant des signes, elle élabore surtout l’écriture d’une énergétique. Ces écritures sont des mises en scène de l’espace et du temps. Le champ théâtral présente un lieu d’investigation privilégié. Cet essai va du simple questionnement de l’acte de prise de son à la description de pratiques de jeux avec le sonore.

De la musique au son : L’émergence du son dans la musique des XXe-XXIe siècles

Makis Solomos, 2013

PU Rennes – 545 pages – ISBN 9782753526389

De la musique avant toute chose

Paul Valery, 1929

Éditions du Tambourinaire – 30 pages – ISBN 0000000000000

De la musique avant toute chose,… [Texte imprimé] / textes inédits de Paul Valéry,…, Henri Massis, Camille Bellaigue, André George, Lucien Dubech, Jean Cocteau, Tristan Klingsor, André Levinson, Edouard Schneider, Henri Béraud ; bois de Hermine David ; 7 dessins inédits de Roger Wild Publication : Paris : Ed. du Tambourinaire, 1929 Description matérielle : 34 p.- [7] f. : ill. ; 25 cm

Dictionnaire amoureux de la Musique

André TUBEUF, 2012

Plon – 704 pages – ISBN 9782259215978

Dictionnaire de la musique

Marc Honegger, 1979

Bordas – 1216 pages – ISBN 9782040107215

Dictionnaire de la musique: Les hommes et leurs œuvres

Marc Honegger, 1970

Bordas Editions – 1111 pages – ISBN 9782040055851

Dictionnaire de la musique: Les hommes et leurs œuvres

Marc Honegger, 1970

Bordas Editions – 1111 pages – ISBN 9782040051402

Die Gedanken sind frei : [song book ; this book is an extension of « Die Gedanken sind frei: 100 songs for the 100 days of dOCUMENTA (13), 2011 – 12, an interactive audio sculpture dispersed on 5 sites …]

Susan Hiller, 2012

Mousse Publishing – 192 pages – ISBN 9788896501702

This song book, featuring lyrics of 102 songs selected by the artist, is an integral part (and an extension) of Susan Hiller’s project for dOCUMENTA (13).’Working with these songs in preparing this book reminded me that what’s in the news now is what the news and what the songs have been about for most of my life: liberation movements, when people reach out and try to grab hold of freedom; unemployment, unfairness, banks crashing, war; peoples’ hopes and demands for justice, peace, and equal rights. Popular music is a counterpoint to the rhythms of contemporary life, an omnipresent, atmospheric condition of public space everywhere, in cafes, shops, nightclubs and buses, from radio, the Internet and various recording and listening devices. Songs can get people talking and thinking. I’m reminded that popular music has been and remains a dangerous art…’ (Susan Hiller)

Différentes phases

Steve Reich, 2016

Philharmonie de Paris – 480 pages – ISBN 9791094642122

Icône d’une culture sonore globalisée, la musique de Steve Reich est dans toutes les oreilles. Plus que des œuvres musicales, le musicien compose des expériences sonores : par répétition, tuilage et déphasage, un simple motif immerge l’auditeur dans un  » processus  » d’écoute. Steve Reich interroge la perception du temps et du rythme sous toutes ses formes, et l’économie de moyens dissimule toujours une prouesse musicale : composer 1h30 de musique à partir d’un unique motif de huit notes ( Drumming) ou créer une pièce avec quatre mains pour seuls instruments ( Clapping Music). L’ensemble de ses écrits réunis dans ce volume dévoilent aussi bien son approche conceptuelle, cultivée au sein de l’avant-garde new-yorkaise des années 1960, qu’une volonté incessante de nouer un dialogue entre les formes populaires contemporaines (jazz, rock, électronique, vidéo) et certaines traditions musicales anciennes ou extra-occidentales (musique médiévale, cantillation hébraïque, percussions africaines, musique balinaise, etc.). En retraçant la genèse de ses compositions, Steve Reich laisse également transparaître une ligne  » politique  » centrale dans son œuvre : des échos de la guerre froide ( It’s Gonna Rain) à la ségrégation raciale américaine ( Come Out), des résonances de la Shoah ( Different Trains) aux retentissements du 11-Septembre ( Daniel Variations et WTC 9/11).

Du chant romain au chant grégorien (IVe-xIIIe siècle)

Philippe Bernard, 1996

Cerf – 986 pages – ISBN 9782204053143

Cet ouvrage retrace toute l’histoire du chant liturgique de la Ville des papes pendant environ un millénaire, depuis la plus haute époque (le début du IVe siècle) jusqu’au triomphe du chant grégorien dans l’ensemble de l’Europe occidentale (dans le courant du XIIIe siècle).

Du son au signe

Jean-Yves Bosseur, 2005

Editions Alternatives – 143 pages – ISBN 9782862274393

Tout au long de l’histoire de la musique occidentale, la notation n’a jamais cessé d’évoluer, épousant, devançant même parfois, ses mutations successives. Le solfège, qui est souvent considéré comme un fait acquis, est la conséquence de nombreux tâtonnements. Et, pour ce qui est de la musique de notre temps, il a aussi montré ses limites, ne s’appliquant qu’à une zone relativement limitée de l’univers sonore. En fait, selon qu’il concerne telle ou telle propriété du son, chaque signe a son histoire, et chaque état de la notation témoigne des préoccupations des compositeurs à une époque donnée. Que l’on soit ou non familier avec les principes de l’écriture musicale, on peut difficilement rester insensible à l’attrait plastique de toutes ces partitions, manuscrites ou imprimées, car même si l’on n’en saisit pas les codes de référence, elles portent l’empreinte de gestes et de rythmes qui s’imposent d’emblée sur un plan visuel.

Ecrits et paroles

Morton Feldman, 2008

Les Presses du réel – null pages – ISBN 9782840662501

Édition refondue des écrits et entretiens du compositeur américain sur l’art en général et la musique en particulier, avec une étude monographique complète sur son œuvre ainsi que des témoignages de Steve Reich et Joan La Barbara. Morton Feldman occupe une situation très singulière dans la création musicale contemporaine américaine. Délibérément à l’écart des modes et des systèmes d’écriture développés à partir des années 1950, il se fraye un chemin qui le conduit à sonder toujours plus en profondeur la dimension contemplative de l’écoute et à appréhender la fluidité temporelle inhérente au phénomène musical. Les écrits de Feldman représentent non seulement un lieu de confrontations entre la musique et les arts plastiques, mais aussi une forme de soliloque où l’on perçoit des préoccupations que plusieurs générations d’artistes ont partagées. Ainsi, ce musicien solitaire et paradigmatique aura-t-il répandu autour de lui ce que l’on pourrait appeler une éthique personnelle?: la conviction qu’en art en général, et en musique en particulier, chaque projet, chaque initiative est à creuser, à la condition de mettre en œuvre une exigence sans compromis idéologique. Cette édition refondue rassemble les écrits et conférences du compositeur, sur sa vie, son travail, ses techniques de composition et d’écriture, ses rapports à Varèse, Boulez, Stockhausen, Cage, Stravinsky, mais aussi à Rauschenberg, De Kooning, Rothko ou Mondrian, ses réflexions philosophiques, ses entretiens avec Iannis Xenakis ou Françoise Esselier, une étude monographique complète de 150 pages de Jean-Yves Bosseur sur son œuvre ainsi que des témoignages de Steve Reich et Joan La Barbara.

En avant la zizique… et par ici les gros sous

Boris Vian, 1997

Le Livre de Poche – 185 pages – ISBN 2253140880

Longtemps la chanson n’a retenti qu’aux carrefours des rues ou dans les cabarets. En moins d’un siècle, le micro, la radio, le disque en ont fait une industrie internationale. Auteur de chansons devenues classiques – Le Déserteur, J’suis snob, On n’est pas là pour se faire engueuler… -, Boris Vian a été le témoin de cette mutation, dans une époque qui vit briller les noms de Montand, Brassens, Gréco, cependant qu’après le jazz, le rock se préparait à franchir l’Atlantique… Il conte ici avec passion, avec aussi la verve irrésistible et la fantaisie qui sont sa marque, ce monde de la chanson dont il connaît toutes les coulisses et tous les refrains, s’interrogeant à chaque page sur ce miracle imprévisible : la naissance d’une « grande » chanson. Féroce contre le conformisme marchand, réfractaire à toute forme de censure comme d’élitisme ou de parti pris, cette radioscopie de ce qu’on n’appelait pas encore le showbiz n’a rien perdu de son actualité.

En studio avec les Beatles

Geoff Emerick, 2009

Le Mot et le reste – 486 pages – ISBN 9782915378993

Dans En Studio avec les Beatles, Geoff Emerick relate ses expériences et nous fait visiter l’envers du décor des innovations musicales et des expérimentations sonores d’où résultèrent les meilleurs disques du groupe. En 1962,à l’âge de quinze ans, il décrocha le job de ses rêves en devenant assistant ingénieur du son aux Studios d’Abbey Road. Dès sa deuxième journée de travail, Emerick était présent quand un quatuor dépenaillé venu de Liverpool et nommé The Beatles vint effectuer sa toute première séance d’enregistrement. La chanson,  » Love Me Do « , ne tarda pas à grimper dans les hit-parades et, depuis, la musique populaire n’a plus jamais été la même. Au cours des sept années suivantes, il allait travailler aux côtés des Beatles. À l’âge de dix-neuf ans, Emerick devint ingénieur du son en titre et fut chargé d’enregistrer l’album révolutionnaire que fut Revolver. À mesure que le groupe et lui-même repoussaient les limites technologiques de l’enregistrement, il mit au point des méthodes qui donnèrent au son des Beatles une nouvelle couleur.

Enseigner la composition

Peter Szendy, 1998

Editions L’Harmattan – 248 pages – ISBN 9782738466464

Lorsque György Ligeti commente les travaux de ses étudiants, lorsque Brian Ferneyhough parle des exercices simples qu’il donne à ses apprentis-compositeurs, lorsque Pierre Boulez décrit son désarroi devant le face-à-face pédagogique, on ne fait pas que réfléchir avec eux sur les méthodes de l’enseignement de la composition : on touche du doigt la notion de cohérence musicale telle qu’elle s’est définie au cours de ce siècle ; on la voit à l’œuvre, dans la fabrique de la musique en train de se faire, et au-delà des querelles de style (sériel, répétitif, complexe, aléatoire…). En amont de ces fenêtres sur cours, les essais de Theodor W. Adorno ou Hugues Dufourt situent la constitution du champ de la composition dans l’histoire récente, notamment en revisitant le projet du Bauhaus. Enfin, des musiciens confrontés aux nouvelles technologies (comme Philippe Manoury ou Brice Pauset) réfléchissent sur ce qu’elles déplacent (ou non) de la tradition artisanale du cours d’écriture. Le florilège qui clôt ce volume donne à ce titre des témoignages de Schoenberg, Stravinsky, Dallapiccola, Messiaen, Cage, Huber, Kagel ou Berio…

Entendre le cinéma

Daniel Deshays, 2010

Klincksieck – 191 pages – ISBN 9782252037843

Qui pense le son au cinema ? Personne vraiment. Aucune ecole pour inclure dans ses enseignements un questionnement sur les conditions d’existence du sonore, nulle approche des formes qui serait enseignee aux eleves realisateurs, aux monteurs, ou meme aux etudiants du son, encore moins aux producteurs. Aucune mise en perspective historique des formes sonores existantes n’est offerte a ceux qui vont devoir oeuvrer a l’apparition de cet objet artistique visible et audible: le film. On se contente d’analyser les conditions d’existence technique du son et on essaie de produire un  » bon son  » – c’est-a-dire un son conforme. Pourtant, le sonore est, non moins que le visible, susceptible de creation et d’invention. C’est ce que nous montre Daniel Deshays qui, prolongeant ici la reflexion entamee dansPour une ecriture du son ( » 50 questions « ), propose de repenser la place du son, afin de combattre son uniformisation planetaire au cinema.

Entretiens avec Jonathan Cott

Karlheinz Stockhausen, 1988

J.-C. Lattès – null pages – ISBN 9782709607230

Erik Satie

Jean-Pierre Armengaud, 2009

Fayard – 782 pages – ISBN 9782213602523

Erik Satie, Écrits

Ornella Volta, 1981

Champ libre – 366 pages – ISBN 2851840738

Erik Satie. [Mit Noten.] – (Lausanne): L’Age d’Homme (1985). 443 S. 8°

Vincent Lajoinie, 1985

L’AGE D’HOMME – 443 pages – ISBN 9782825132289

Essai sur la radio et le cinéma

Pierre Schaeffer, 2010

Editions Allia – 125 pages – ISBN 9782844853660

Experimental music

Michael Nyman, 2005

Editions Allia – 293 pages – ISBN 9782844851918

Les compositeurs expérimentaux ne se préoccupent généralement pas d’administrer un objet temporel défini et organisé à l’avance, mais s’enthousiasment à l’idée d’esquisser les grandes lignes d’une situation au cours de laquelle des sons peuvent intervenir, d’inventer un procédé générateur d’action (sonore ou autre), de créer un champ délimité par certaines règles de composition. Michael Nyman.

Experimentation in question

Matthieu Saladin, 2012

Editions meteo – 545 pages – ISBN 9782953951615

Expliquer l’harmonie ?

Jacques Chailley, 1967

Editions L’Harmattan – 168 pages – ISBN 9782738439642

« Une histoire de la mise en place des différents éléments du langage musical et de l’organisation de l’espace sonore.

Écoute

Peter Szendy, 2001

Les Editions de Minuit – 172 pages – ISBN 9782707317315

L’écoute est peut-être l’activité la plus discrète qui soit. C’est à peine une activité : une passivité, dit-on, une manière d’être affecté qui semble vouée à passer inaperçue. Quelqu’un qui écoute, ça ne s’entend pas. J’ai pourtant rêvé d’une archéologie de nos écoutes musicales : une histoire de nos oreilles de mélomanes, de maniaques de mélodies en tout genre. J’ai voulu savoir d’où elles me venaient, ces oreilles que je porte et que je prête. Quel était leur âge ? Que devais-je, que pouvais-je faire avec elles ? De qui les tenais-je, à qui en étais-je redevable ? J’ai donc traqué tous les indices possibles. Il y a une criminologie de l’écoute (des auditeurs se retrouvent au tribunal, accusés ou plaignants). Il y a des écritures de l’écoute (certaines oreilles laissent des traces durables de leur passage). Il y a des instruments d’écoute (des prothèses enregistreuses, des machines à entendre). Enfin, il y a une polémologie de l’écoute, avec ses guerres, ses stratégies organisées ; bref, tout un champ de bataille où nos oreilles, plastiquement, se conforment à des lois et gardent, tel Don Juan face au Commandeur, l’empreinte de l’écoute de l’autre. Et puis, il y a toi. Toi à qui mes écoutes sont adressées. Toi qui parfois, c’est si rare, m’écoutes écouter. P. Sz

Étude comparée des langages harmoniques de Fauré et de Debussy

Françoise Gervais, 1971

La Revue Musicale – null pages – ISBN null

Field Recording : L’usage sonore du monde en 100 albums

Alexandre Galand, 2012

Le mot et le reste – 312 pages – ISBN 9782360540709

Film Music

Peter Larsen, 2007

Reaktion Books – 254 pages – ISBN 9781861893413

Film and music belong together; classics like Fritz Lang’s Metropolis(1927) and Mike Nichols’ The Graduate(1967) are renowned for their brilliant soundtracks. But what exactly is ‘film music?’ Does music act as an accompaniment to the ‘film’, or is film an illustration of the music, or are the two inseparable? In Film MusicPeter Larsen traces the history of music in film and discusses central theoretical questions concerning its narrative and psychological functions. He looks in depth at classics such as Howard Hawks’ The Big Sleep(1946) and Alfred Hitchcock’s North by Northwest(1959), as well as later international blockbusters and cult films including American Grafitti(1973), Star Wars(1977) and Blade Runner(1982). These case studies explore the role of music in the history of film, and also show how other films can be discussed in relationship to their music. Film Musicoffers a much-needed overview of how music functions in film and serves as a fascinating, accessible introduction to the analysis of film music. The book will serve as an important text for students of film, music and cultural disciplines, as well as the general reader with an interest in film and popular music.

Fluxus et la musique

Olivier Lussac, 2010

Les Presses du réel – null pages – ISBN 9782840662563

Glenn Gould par Glenn Gould sur Glenn Gould

Glenn Gould, 2012

Allia – 48 pages – ISBN 9782844855770

Gramophone, Film, Typewriter

Friedrich Kittler, 2018

Presses du Reel – 469 pages – ISBN 9782840666790

Guide de la prise de son pour l’image : Reportage, documentaire, fiction en radio et télévision

Vincent Magnier, 2007

Dunod – 194 pages – ISBN 9782100513178

Guide des objets sonores

Michel Chion, 1983

Buchet-Chastel Editions – 186 pages – ISBN 2702014399

Le Traité des Objets Musicaux de Pierre Schaeffer est une oeuvre de réfèrence, qui a donné de nombreux outils théoriques pour la pratique et la perception de la musique électroacoustique. Toutefois, il faut reconnaître qu’il est très difficile d’accès et assez bizarrement organisé. Le Guide des objets sonores de Michel Chion permet de s’y retrouver, grâce à une approche qui met en valeur les concepts essentiels et explique de façon claire et agréable les 6 tableaux fondamentaux.

Guide du dessinateur industriel

A. Chevalier, 1982

Hachette technique – 319 pages – ISBN 9782010011764

Guide pratique de la musique de film : Pour une utilisation inventive et raisonnée de la musique au cinéma

Vivien Villani, 2008

Scope – null pages – ISBN 9782912573186

Hello Spirale ! : Entretiens

Francis Baudevin, 2005

JRP Ringier – null pages – ISBN 9782940271412

Héros du blues, du jazz et de la country

Stephen Calt, 2008

Editions de la Martinière – 238 pages – ISBN 9782732437651

Tous ceux qui connaissent l’œuvre de Robert Crumb connaissent aussi sa passion pour la musique. Créés au cours des années 1980 ses dessins sont pour la premières fois rassemblés dans un ouvrage qu’accompagne un CD exclusif de 21 titres choisis par Crumb lui-même, dont plusieurs enregistrements inédits de Charley Patton, « Dock » Boggs ou  » Jelly Roll » Morton. Chaque portrait de musicien s’accompagne d’une courte biographie de l’artiste. Hommage éminemment personnel d’une légende underground aux innovateurs qui l’ont inspiré, ce livre est un ouvrage indispensable pour les aficionados de Crumb, les fans de bande dessinée et les amateurs de musique

Histoire d’une oreille

François Pachet, 2018

Buchet/Chastel – 334 pages – ISBN 9782283031261

Histoire d’une oreille nous invite à un voyage inédit dans la musique du xxe siècle, des Beatles à Stevie Wonder, de Michel Delpech à Chico Buarque ou Louis Armstrong. Pourquoi tel morceau de musique me plaît-il et tel autre pas ? Comment la musique suscite-t-elle en moi telle ou telle sensation ? Est ainsi reconstituée une véritable fabrique de l’expérience musicale dans laquelle les émotions au fil du temps se complètent et se répondent comme en un vaste jeu de lego. Composé d’une suite de brefs chapitres qui sont autant d’histoires concrètes d’écoute, au hasard de rencontres et de souvenirs, le livre de François Pachet est aussi, et ce n’est pas le moindre de ses charmes, une autobiographie discrète où la musique se révèle indissociable de la mémoire, les notes entendues à l’autoradio à jamais liées à la touffeur d’un été en Grèce ou à l’ennui d’un voyage en voiture. L’ouvrage est enrichi de nombreux extraits audio.

Histoire de l’acoustique musicale

Serge Donval, 2006

Editions Fuzeau – 223 pages – ISBN 9782841691524

Savez-vous que l’accordage du clavier de Sébastien Bach n’était pas identique à celui d’aujourd’hui ? L’objectif de cet ouvrage est de faire une étude de l’Acoustique Musicale, et de son évolution au cours de l’Histoire, depuis la Grèce antique jusqu’au XXe siècle.

Histoire de la chanson française: De 1780 à 1860

Claude Duneton, 1998

Seuil – 1099 pages – ISBN 2020172860

« Si l’on veut connaître les hommes, je crois sincèrement qu’il faut étudier leurs chansons, au même titre que leurs monuments, leurs outils et leurs livres. Car on découvre dans les chants un peu de la chair et du sang des ancêtres, avec la trace de leur vertu, sans doute, mais surtout de leurs sentiments, des émotions, des pulsions qui conduisirent leur vie, qui enveloppèrent leurs amours et aussi leurs haines, leurs héroïsmes, leurs beuveries. Le rôle des chansons, au long de huit ou neuf siècles d’histoire, pourra seulement être esquissé dans ces pages, mais la chanson fut un agent de la formation des peuples à toutes les époques. ». C. Duneton. Il s’agit ici de la première « histoire de la littérature chansonnière », jamais écrite en France, accompagnée de musique. C’est aussi l’histoire de la profession des chanteurs et des auteurs-interprètes auxquels le livre est dédié. On est séduit, subjugué à la lecture de cette fresque monumentale en deux volumes, des origines au Second Empire. Cet ensemble met en lumière une planète qui nous est à la fois familière et très mal connue : l’histoire complexe et fragile des émotions, l’histoire de la chanson. Ce second volume, qui va de la Révolution au Second Empire, présente le Caveau moderne, la romance de salon, les goguettes, les complaintes, etc., jusqu’à l’avènement du droit d’auteur (création de la Sacem, 1851) qui changera la nature de la chanson.

Histoire de la chanson française: Des origines à 1780

Claude Duneton, 1998

Seuil – 1083 pages – ISBN 2020172852

Histoire de la musique (2 volumes)

Jules Combarieu, 1913

Armand Colin – null pages – ISBN null

Histoire de la musique occidentale.

undefined Massin, 1992

FAYARD. – 1314 pages – ISBN 9782213020327

Hommes et problèmes du jazz

André Hodeir, 1981

Editions Parenthèses – 260 pages – ISBN 2863640127

Cette étude du réputé analyste du jazz, André Hodeir, est maintenant considérée comme un classique. Rééditée sans retouches dans sa version originale de 1954, elle est un excellent miroir de l’appréciation portée à la musique de jazz à cette époque. Pour son observation et son étude, le musicologue fait un large usage du disque, le 78 tours, seule approche objective de cette musique qu’on ne peut interroger à partir des partitions. L’édition est accompagnée d’une nouvelle préface de Hodeir. [SDM].

Igor Stravinski

Jean Gallois, 2016

Editions Bleu Nuit – 176 pages – ISBN 9782358840491

Igor Stravinski (orthographié selon sa volonté sans « y » et sans « w » pour éviter une mauvaise prononciation par les Américains) est, tout comme Picasso – qu’il a souvent côtoyé – un des créateurs artistiques majeurs du XXème siècle. Né en 1882 et après une jeunesse à Saint-Pétersbourg où il est formé par Rimsky-Korsakov, il conne le succès à Paris avec Diaghilev et les Ballets Russes qui créent L’Oiseau de Feu, Petrouchka, Le Sacre du Printemps, Le Rossignol, Renard, Les Noces, Pulcinella. Exilé après la Révolution Russe, Stravinski vécut entre la France et la Suisse, passant à travers deux guerres mondiales et s’établissant finalement en 1939 aux Etats-Unis, où il se remarie et meurt en 1971, avant d’être enterré à Venise. Il a touché à presque tous les styles musicaux de son temps, y compris le dodécaphonisme, renouvelant toujours son écriture musicale. Son important catalogue comprend aussi bien des mélodies que de la musique de chambre, des symphonies, des opéras et aussi un répertoire religieux très inspiré.

Initiation à la musique Origines évolution formes et répertoire

Antoine Ormesson, 1980

Stock – 406 pages – ISBN 2234012090

Introduction à J.-S. Bach : Essai d’esthétique musicale

Boris de Schloezer, 2009

PU Rennes – 302 pages – ISBN 9782753507357

Jazzistiques

André Hodeir, 1984

Editions Parenthèses – 206 pages – ISBN 2863640267

Mon livre précédent (Hommes et problèmes du jazz) était le produit d’une réflexion sur les problèmes généraux du jazz ; un livre analytique ; un regard qui eût eu quelque sérénité si l’auteur n’avait été engagé, d’une certaine manière, dans les combats esthétiques de l’époque. « Jazzistiques (Toward Jazz »)’ ne se tient pas absolument à l’écart de toute polémique ; mais celle-ci a changé d’essence. Ce qui importe désormais, semble-t-il, c’est d’abord une mise en question de l’homme de jazz, considéré dans sa gloire et ses petitesses …

Jean Philippe Rameau – Sa Vie, Son oeuvre

Cuthbert Girdlestone, 1983

Desclée de Brouwer – 670 pages – ISBN 2220028216

Jean-Claude Vannier : L’arrangeur des arrangeurs

Foutel & Veuillet, 2018

Le mot et le reste – 397 pages – ISBN 9782360545117

Lorsque le nom de Jean-Claude Vannier surgit, c’est I’album concept composé avec Serge Gainsbourg Histoire de Melody Nelson qui s’impose immédiatement. Cette œuvre ne représente pourtant qu’une infime partie des projets sur lesquels le plus grand arrangeur français a travaillé. Barbara, Jacques Higelin, Brigitte Fontaine, Françoise Hardy, Claude Nougaro, Michel Polnareff, Gilbert Bécaud, Alain Bashung etc., la liste est longue de ceux qui virent la touche Vannier sublimer leurs textes. Cet autodidacte qui a appris les bases de son métier dans un Que sais-je ? a œuvré au succès de tubes comme « Que je t’aime », « Tous les bateaux, tous les oiseaux », « Super nana », « Laisse-moi t’aimer », mais a également beaucoup composé pour le cinéma tout en menant, en parallèle, une carrière confidentielle d’auteur compositeur et interprète. Peu disert sur son parcours, Jean-Claude Vannier a néanmoins décidé de se livrer, pour une biographie ponctuée de ses commentaires et de ceux de nombreuses personnalités ayant travaillé à ses côtés.

John Cage/Marcel Duchamp

Marc Dachy, 2005

Editions Eoliennes – null pages – ISBN 9782911991325

Kurt Weill ou La conquête des masses

Pascal Huynh, 2000

Actes Sud – 461 pages – ISBN 9782742726127

L’Inexpressif musical: Suivi de Question sans réponse

Clément Rosset, 2013

Encre Marine – 192 pages – ISBN 9782350880662

L’Oreille musicienne : Les chemins de la musique de l’oreille au cerveau

Claude-Henry Chouard, 2001

Gallimard – 347 pages – ISBN 9782070762125

L’Univers sonore animal

Yveline Leroy, 1979

Bordas Editions – 350 pages – ISBN 204010433X

L’expérience de l’expérimentation

undefined Collectif, 2015

Les Presses du réel – 268 pages – ISBN 9782840667216

L’écoute

Peter Szendy, 2000

Editions L’Harmattan – 313 pages – ISBN 9782738494405

L’écoute de la musique : on la pratique, on en parle beaucoup ; on la pense peu dans ses enjeux ou dans son histoire. Or bien au-delà des question de genres ou de styles musicaux, l’écoute a connu, au XXè siècle, des mutations radicales. L’écoute est-elle donc inscrite dans les œuvres musicales ? Qui est celui qui écoute ? Est-il un sujet à l’écoute ? Et si oui, comment est-il sujet de ou à cette activité étrangement passive qui l’affecte ?

L’improvisation musicale

Denis Levaillant, 1996

Actes Sud – 302 pages – ISBN 9782742707515

Des compositeurs instrumentistes et chorégraphes s’expriment sur l’improvisation musicale et montrent qu’elle traverse tous les territoires de la musique occidentale. Des passages se créent entre catégories, genres et fonctions musicales.

L’invention de la musique

Philippe Manoury, 2017

Fayard – 64 pages – ISBN 9782213704753

La Haine de la musique

Pascal Quignard, 1997

Gallimard – 304 pages – ISBN 9782070400706

La Musique et l’Ineffable

Vladimir Jankélévitch, 2015

Le Seuil – 208 pages – ISBN 9782020064507

La Partition intérieure : jazz, musiques improvisées

Jacques Siron, 2004

Outre Mesure – 763 pages – ISBN 9782907891035

La belle histoire de la musique

José Bruyr, 1947

Corrêa – 451 pages – ISBN 2020002450

La chanson dans tous ses états

Gérard Authelain, 1987

Van de Velde – 219 pages – ISBN 2858681341

La direction d’orchestre

Hermann Scherchen, 1986

Actes Sud – 324 pages – ISBN 2868690734

La leçon de musique

Quignard Pascal, 1991

Hachette – 135 pages – ISBN 9782010124198

La musique

undefined Benardeau, 2013

Nathan – 160 pages – ISBN 9782091628264

La musique au cinéma

Michel Chion, 1995

Fayard – 475 pages – ISBN 9782213594668

Ecrit par un compositeur et réalisateur, un ouvrage global, généraliste, historique et culturel sur la musique dans le film. Un livre fondamental allant des formes cinématographiques les plus avant-gardistes aux plus populaires, n’excluant a priori aucun style musical ni aucune forme d’intégration de la musique dans le film.

La musique au quotidien

Philippe Olivier, 1985

Balland – 227 pages – ISBN 9782715805408

La musique comme métaphore

Ana Stefanovic, 2006

L’Harmattan – 564 pages – ISBN 9782296008014

La musique de film

Pierre Berthomieu, 2004

Klincksieck – 218 pages – ISBN 9782252034521

Durant son âge d’or, Hollywood a produit une musique de film destinée à créer du sens, à refléter l’ordre du monde et à faire entendre un son à l’ambition d’éternité. Cette musique, symphonique, mélodique et romantique inclut cependant des formes éclatées plus modernes et plus discordantes. Sans adopter une approche strictement chronologique, cet ouvrage voit se croiser la grande génération des compositeurs hollywoodiens du passé comme Max Steiner, Victor Young ou Bernard Herrmann et ceux de l’époque plus récente (Alex North, Jerry Goldsmith, John Williams), jusqu’aux plus contemporains comme Philip Glass, sans négliger plusieurs grandes figures des écoles européennes. L’analyse des techniques et des styles musicaux se fonde ici sur une certaine idée du cinéma comme art musical. L’ouvrage se fonde sur la conviction d’une présence nécessaire de la musique dans les films, envisage particulièrement la relation de la musique et de l’image dans leur rapport avec le temps et s’intéresse aux effets de la musique sur le spectateur.

La musique de film

Gilles Mouëllic, 2003

Musique cinéma – 95 pages – ISBN 9782866423698

Des accompagnements en direct sur les pianos des salles du muet aux sons d’aujourd’hui mêlant les compositions symphoniques, les compilations de musiques contemporaines, les chansons populaires et les sons électroniques, l’histoire du cinéma est aussi une histoire de musiques. Avec l’arrivée du parlant, et la naissance de la profession de compositeur de cinéma, la possibilité s’offre enfin aux cinéastes de contrôler la musique de leurs films. Si, à Hollywood, Max Steiner impose un  » standard  » nourri de romantisme européen, les grands cinéastes, en collaboration avec les musiciens, inventent d’autres rapports entre la musique et les images. De Jean Renoir à David Lynch, de Maurice Jaubert à Danny Elfman, compositeurs d’images et compositeurs de sons se retrouvent pour créer ensemble une œuvre unique : le film. Hauteur donne les repères historiques nécessaires à une bonne compréhension de l’évolution des rapports entre la musique et le film, mais il propose également des analyses qui éclairent le rôle joué par la musique dans la perception des images. Ces analyses, complétées par des témoignages, des textes théoriques et des documents, concernent de nombreux cinéastes parmi lesquels Charles Chaplin, Alfred Hitchcock, Roberto Rossellini, Jean-Luc Godard ou Quentin Tarantino.

La musique du XXe siècle à la croisée des arts

Jean-Yves Bosseur, 2008

Minerve – 252 pages – ISBN 9782869311213

Quelles peuvent être les modalités d’échange entre la musique et les autres disciplines artistiques tout au long de ces dernières décennies? Evoquant tour à tour les domaines de la littérature, de la danse, du cinéma, de l’architecture, des arts plastiques, l’auteur avance des hypothèses de réflexion sur les démarches interdisciplinaires qui n’ont cessé de se multiplier au XXe siècle. Ont été choisis des exemples de collaboration particulièrement représentatifs, tels les « dialogues » entre Henri Pousseur et Michel Butor, Morton Feldman et Samuel Beckett, Bernard Herrmann et Alfred Hitchcock, John Cage et Merce Cunningham… Sont également mises en évidence les passerelles entre la musique et des genres qui peuvent paraître contigus (la poésie sonore, la création radiophonique), ou bien encore la musicalité émanant de l’œuvre d’écrivains comme Michel Butor et Thomas Bernhard. L’éclatement des catégories concerne aussi le domaine musical de l’intérieur. C’est pourquoi sont abordées les relations entre pratiques savantes et populaires, ainsi que la problématique de l’improvisation, remettant en question les cloisonnements qui ont longtemps pesé sur la création et la diffusion de la musique.

La musique et le signe

Jacques Chailley, 1967

Editions L’Harmattan – 164 pages – ISBN 9782738424488

La musique retrouvée

Louis Laloy, 1974

Desclée de Brouwer – 296 pages – ISBN null

La musique sur le vif : La nature de l’expérience musicale

Jerrold Levinson, 2013

PU Rennes – 208 pages – ISBN 9782753527300

La parole musicale

Nikolaus Harnoncourt, 2014

Actes Sud Editions – 233 pages – ISBN 9782330034078

Dans ce nouveau recueil de textes et d’entretiens, le grand chef d’orchestre autrichien revient sur certains de ses thèmes de prédilection : l’importance de la rhétorique dans la musique, l’interprétation sur instruments anciens, la question du progrès en art, de la transcendance, et bien d’autres. Pour la première fois, il évoque également Mozart et Schubert, en passant par Beethoven. Et la musique romantique, Schumann, Brahms, Bruckner, Bizet ou Verdi. Toujours avec une intelligence lumineuse et une manière très stimulante de bouleverser les idées reçues.

La question sans réponse

Leonard Bernstein, 2018

Minerve – 312 pages – ISBN 9782869311510

Chef d’orchestre, pianiste, compositeur de la célèbre partition de West Side Story, où il mêle jazz, choral religieux, opéra italien et pop music, mais aussi pédagogue et homme de télévision, Leonard Bernstein (1918-1990) sera jusqu’à sa mort l’une des figures les plus en vue de la musique américaine. Sous le titre « The Unanswered Question » (La Question sans réponse), inspiré par l’œuvre homonyme de Charles Ives, il donne à Harvard, à l’automne 1973, six conférences qui envisagent l’état de la musique au XXe siècle. Son but n’est pas de faire un bilan, mais de retracer l’évolution de la création musicale au fil du temps. À partir des théories linguistiques de Noam Chomsky, il montre tout d’abord de façon éclairante que, sans être un langage articulé, la musique est tout de même un moyen d’expression possédant ses structures, sa grammaire et son vocabulaire. Cela lui permet d’évoquer les chefs-d’œuvre de la musique de Bach à Boulez en passant par Beethoven, Wagner, Schoenberg, Stravinsky, le jazz ou les Beatles. Il émaille son exposé de fréquentes références à la poésie et à la peinture, et l’illustre de nombreux exemples musicaux (plus de 600). D’une manière très accessible, c’est donc une véritable histoire de la musique qu’il esquisse avec originalité et brio.

La révolution digitale dans la musique

Harry Lehmann, 2017

Allia – 224 pages – ISBN 9791030406962

Les scènes de l’art ne pourront plus se délimiter les unes par rapport aux autres, elles s’ouvrent, s’effrangent avec le monde virtuel, elles renoncent aux espaces protégées et hermétiques des cultures légitimes. Imaginez que la musique soit à la portée de tous, que toutes les barrières entre musicien et auditeur s’effacent jusqu’à ce que, finalement, le musicien ne soit lui-même plus qu’un intermédiaire amené à disparaître. Radical ? Pour Harry Lehmann, ce monde est déjà le nôtre, celui d’une révolution en cours qui a bouleversé définitivement l’histoire de la musique. La conception de programmes et d’instruments inouïs génèrent des techniques de notation, de composition, d’interprétation et de diffusion sans précédents. De l’esthétique à l’industrie, il examine la recomposition de l’ensemble des secteurs de la musique. Des compositeurs qui se passent d’éditeurs ; des conservatoires concurrencés par des cours en ligne ; des orchestres virtuels ouvrant la voie à de nouvelles expérimentations…

La tablature de Weimar

Johann Pachelbel, 1993

Anfol/Ctre Musique Sacrée – 159 pages – ISBN 2950799809

La voix et ses sortilèges

Marie-France Castarède, 1987

Les Belles Lettres – 280 pages – ISBN 9782251334318

La melodie de la voix est la toute premiere forme de l’expression du lien affectif, le trait sonore primitif qui continue d’unir le bebe a sa mere. Le chant et la musique en representent une elaboration transculturelle toujours presente et toujours renouvelee, et la vive voix n’est ni lettre morte ni langue de bois. Au long d’une evolution qui detrone la prevalence originaire du monde sonore, visuel, olfactif ou gestuel au profit de la maitrise du langage et promeut le scientifique au detriment du sensible, la voix demeure messagere du corps. Temoin du temps de l’enfance egalement, de ses berceuses, de ses comptines, de ses onomatopees, de ses cris… Mais rien n’est gratuit et la magie nait d’une longue patience, l’experience personnelle du chant individuel ou choral de Marie-France Castarede l’atteste. Pour devenir chant, la voix, depuis l’aube des temps, a du se plier a un travail de discipline technique et de maitrise de ce monde corporel et affectif ou elle puise a ce prix les plus envoutants de ses sortileges.

Le Coq et l’Arlequin : notes autour de la musique 1918

Jean Cocteau, 1993

Stock – 161 pages – ISBN 9782234010819

Le Guide de la Musique : Une initiation par les oeuvres

Gérard Denizeau, 2005

Larousse – 239 pages – ISBN 9782035054678

Le Silence, les couleurs du prisme et la mécanique du temps qui passe

Daniel Caux, 2009

Editions de l’éclat – 400 pages – ISBN 9782841621972

Le Son au cinéma

Laurent Jullier, 2006

Cahiers du cinéma – 95 pages – ISBN 9782866423377

Le blues

Stéphane Koechlin, 2000

J’ai lu – 86 pages – ISBN 9782290304990

Le calcul de la musique

Laurent Pottier, 2009

PU Saint-Etienne – 477 pages – ISBN 9782862725147

Ce livre présente le large champ des possibilités offertes par l’ordinateur pour le calcul de la musique. Il est un point de rencontre de différents chercheurs-musiciens musicologues qui ont mené une réflexion sur l’origine, le présent et le devenir des applications informatiques dédiées au domaine musical. Les trois premiers chapitres présentent des recherches en musicologie ayant abouti à des thèses soutenues au début des années 2000 et des travaux plus récents réalisés dans diverses structures. Alexander Mihalic propose une approche historique puis traite de la question des modèles pour la composition et de la notion de la sonification des données – qu’elle soit destinée à la musique ou non. Les concepts de composition assistée par ordinateur (CMAO) et plus précisément l’aide à l’écriture musicale sont présentés par Mikhail Malt. Laurent Pottier, quant à lui, expose les différentes pratiques concernant la synthèse des sons et montre comment l’utilisation des outils d’aide à la composition permet un contrôle sophistiqué des paramètres du son. Cet ouvrage comporte également quatre autres chapitres qui témoignent de concepts importants et de nouvelles manières de faire dans le domaine de la composition. Yann Orlarey montre l’importance de la notion de programmation créative pour les artistes contemporains qui utilisent les outils numériques d’une manière innovante. Denis Lorrain décrit la notion d’interpolation qui peut se prêter à de nombreuses réalisations. Karim Haddad s’intéresse à l’écriture du temps et aux possibilités de la CMAO pour le calcul de structures de représentation rythmique. Moreno Andreatta discute de certains aspects du rapport entre les notions de calcul algébrique et de calcul catégoriel en musique. Les auteurs étudient différentes démarches compositionnelles et présentent de nombreux exemples musicaux issus, pour la plupart, du répertoire contemporain.

Le caractère fétiche dans la musique et la régression de l’écoute

Theodor Wiesengrund Adorno, 2001

Editions Allia – 84 pages – ISBN 9782844850690

Texte qui suit les réflexions de l’essayiste allemand Walter Benjamin, sur l’oeuvre d’art à l’ère de la reproductibilité technique. Les thèses de l’auteur sur le processus moderne qui fait de l’art une simple marchandise sont appliquées cette fois à la musique.

Le chant des serpents

Christine Guillebaud, 2008

CNRS – 383 pages – ISBN 9782271065100

Officiants de rituels domestiques, chanteurs au porte-à-porte, contractuels à la radio d’Etat, intervenants dans les colloques de musicologie indienne… Les musiciens itinérants du Kerala (Inde du Sud) pratiquent leur art selon des codes mouvants, riches, inventifs, sans cesse redéfinis en fonction des commanditaires, des lieux et des circonstances. Les  » services musicaux  » qu’ils offrent aux familles de haut statut visent à traiter les maux et les infortunes. Du fait même de leur mobilité, ils sont au cœur des réseaux de patronage qui caractérisent la société indienne. Christine Guillebaud a suivi ces artistes  » nomades  » dont l’expression musicale emprunte aux formes populaires et sacrées, mêlant instruments, images, concepts, danses, voix, divinités. Une enquête passionnante qui permet de comprendre in situ le processus de création du  » chant des serpents « .

Le chant gregorien redecouvert

Maurice Tillie, 1900

Cld – 335 pages – ISBN 9782854433302

Le chant grégorien

Jacques Viret, 2012

Editions Eyrolles – 206 pages – ISBN 9782212552874

Le chant grégorien constitue la clé de voûte de notre culture musicale. Au confluent d’une histoire millénaire et de notre actualité, ce livre ne se contente pas de décrire un répertoire clos sur lui-même mais il rend compte de l’inspiration, de la dynamique et du devenir d’une tradition sans cesse renouvelée. Véritable panorama, cette synthèse retrace l’évolution et les pratiques du chant grégorien, des origines à nos jours. II s’appuie sur un CD inédit, qui illustre chacun des aspects du grégorien, des plus connus aux plus surprenants.

Le film, musique et son

Bernard Guiraud, 2005

Dujarric – 255 pages – ISBN 2859470514

Le goût de la musique

undefined Collectifs, 2014

Mercure de France – 128 pages – ISBN 9782715234628

Le goût de la radio et autres sons

Thomas Baumgartner, 2013

Mercure de France – 126 pages – ISBN 9782715233492

Le son est une magie et une évidence. Fluidité insaisissable, il est matière disponible pour la littérature. Par le son, on entre dans le fantastique : saisi par l’oreille, le lecteur accepte la proximité d’une autre dimension et d’autres possibles. Les romans et les récits n’ont pas attendu les technologies de reproduction, de diffusion, de captation du son pour en faire le véhicule d’utopies et de légendes. Avec le progrès technique, le son se manipule, se stocke. C’est là que la radio entre en scène : avec elle, la parole se voit douée d’ubiquité, à la fois dans le studio et potentiellement dans le monde entier. Mais sait-on jamais qui écoute ? Voyage dans cet étrange pays de la radio et des sons en compagnie d’Homère, Rabelais, Francis Bacon, Samuel Beckett, Roland Dubillard, Jacques Roubaud, Denis Podalydès, Vincent Ravalec, Jean Tardieu, Roger Grenier, Roland Barthes, Eric Chevillard, François Bon, Dominique A, Jean Cocteau et bien d’autres…

Le jeu & les règles, Paul Panhuysen : Edition bilingue français-anglais (1CD audio)

Paul Panhuysen, 2009

Les Presse Du Reel – 320 pages – ISBN 9782840662181

Le jeu des ritournelles

Aliocha Wald Lasowski, 2017

Editions Gallimard – 375 pages – ISBN 9782072745263

Tournez, tournez, chevaux de bois, la musique fait sa ronde, le jeu des ritournelles fait revenir en chacun le refrain qui trotte dans la tête. Freud n’aime pas écouter de musique, que ce soit en privé ou dans un lieu public, mais son indifférence cache une passion secrète pour le Figaro de Mozart. Gide oppose à la pesanteur des esprits chagrins une barcarolle ou un impromptu de Chopin qu’il interprète au piano. S’il souffre depuis I’enfance d’insuffisance respiratoire, Barthes s’exerce au chant et fait de Schumann Un double idéal. Alors que son ami Guattari ne jure que par Fauré, Deleuze trouve dans le Boléro de Ravel un motif répétitif qui le comble, au point d’en faire le cœur de sa philosophie. Passion des mélodies, inquiétudes rythmiques. Au-delà de ce quatuor d’exception, nous voici à I’écoute de refrains qui passent, comme un aveu, I’empreinte d’une vie. A. W. .L Philosophe-musicien, Aliocha Wald Lasowski est le batteur rhythm and blues des groupes Trio Maïata, Montezuma Video, Tawoti et the Faarm.

Le livre des techniques du son

Denis Mercier, 2002

Dunod – 458 pages – ISBN 9782100063048

Le livre des techniques du son est un ouvrage interdisciplinaire qui réalise une synthèse de toutes les connaissances portant sur le son. Les notions fondamentales de physique, d’électroacoustique, d’acoustique, d’électronique, de perception auditive, de traitement du signal, ainsi que la technologie audiofréquence et les méthodes d’exploitation sont développées par les plus éminents professionnels, chacun dans leur spécialisation. Ce manuel, largement illustré, riche de renseignements et de méthodes, est devenu au fil des années le livre de référence des professionnels du son et l’outil indispensable pour les étudiants des écoles de formation audiovisuelle. Le livre des techniques du son apportera les réponses à tous ceux pour qui le son est un moyen d’expression de la créativité et de la communication. Ce premier tome, Notions fondamentales, a fait l’objet à l’occasion de cette troisième édition de transformations et d’apports. Il est suivi de deux autres volumes, s’intitulant respectivement La technologie et L’exploitation.

Le livre des techniques du son, tome 2 : La technologie

undefined Collectif, 2004

Dunod – 528 pages – ISBN 9782100063055

Le musée imaginaire des oeuvres musicales

Lydia Goehr, 2018

Philharmonie de Paris – 574 pages – ISBN 9791094642245

Qui, de nos jours, contesterait que les symphonies de Beethoven, les concertos de Schumann et les sonates de Schubert sont des oeuvres musicales ? L’on découvre pourtant dans cet ouvrage que penser la musique en termes d’oeuvres ne va pas de soi : il n’en a pas toujours été ainsi, et le concept d’oeuvre lui-même varie au gré des époques. Cette enquête sur les origines de notre « musée imaginaire des oeuvres musicales » retrace les développements esthétiques, musicaux, politiques et sociaux qui, à partir de la fin du XVIIIe siècle, ont contribué à sa formation, puis à son institution. Pour répondre aux interrogations modernes sur la nature et les implications de la production d’oeuvres dans le champ musical, Lydia Goehr revendique un concept d’oeuvre ouvert, historique, immanent aux pratiques elles-mêmes. Il s’étend alors aux formes contemporaines de la musique désormais intégrées dans notre « musée », comme celles de John Cage, en rébellion contre l’oeuvre, et jusqu’aux genres tenus pour populaires, comme le jazz.

Le son direct au cinéma

Claudine Nougaret, 1997

La Femis – 223 pages – ISBN 9782907114318

Le son du silence

Laurence Nobécourt, 2018

Le Livre de Poche – 178 pages – ISBN 9782253091714

Pianiste surdouée, H. J. Lim, issue d’une famille de la classe moyenne sud-coréenne, demande à ses parents d’aller en France pour perfectionner son jeu. Hébergée d’abord à Compiègne par une tante antipathique, elle subit le harcèlement des collégiennes qui la stigmatisent. Rejoint le conservatoire de Rouen, puis la capitale et le Conservatoire national, vit dans la précarité d’une immigrée qui doit régulièrement renouveler son visa. Loue un temps un garage de la banlieue parisienne pour répéter ses morceaux. Jamais elle ne cède au désespoir. Guidée par le bouddhisme et les paroles de son maître, l’enfant prodige a su se forger une personnalité hors norme et conquérir les grandes scènes internationales. Sa quête musicale et spirituelle est fascinante.

Le son musical : musique, acoustique et informatique (livre et CD)

John Pierce, 2000

Belin – 241 pages – ISBN 9782842450373

Le son: Traité d’acoulogie

Michel Chion, 2010

Armand Colin – 272 pages – ISBN 9782200247911

Le sonore et le visuel : Intersections musique-arts plastiques aujourd’hui

Jean-Yves Bosseur, 1992

Dis Voir – 158 pages – ISBN 9782906571235

Leonard Bernstein’s Young People’s Concerts

Leonard Bernstein, 2005

Hal Leonard Corporation – 379 pages – ISBN 9781574671025

Examines the century’s most unique musician and teacher, explaining clearly the joy of music in a way that grasps the attention of all.

Les Professionnels du disque : Une sociologie des variétés

Antoine Hennion, 1991

Editions Métailié – 257 pages – ISBN 2864240084

Les cloches d’Atlantis

Philippe Langlois, 2012

MF éditions – 483 pages – ISBN 9782915794557

Ce livre est une histoire de la création sonore au XXe siècle et des ses auteurs, précurseurs d’une pensée sonore révolutionnaire et fondateurs d’une nouvelle manière d’« organiser » et de composer les sons. Cette étude permet de reconsidérer un pan tout entier de la création sonore dans les grands genres cinématographiques, (fiction, animation, documentaire, expérimental) ; de la période qui précède l’avènement du cinéma sonore, en 1926, en passant par la naissance du design sonore, le service de la recherche de l’ORTF et le cinéma d’auteur à la fin du XXe siècle. Le propos de l’ouvrage est illustré par un grand nombre d’images.

Les fous du son

Laurent de Wilde, 2016

Grasset – 560 pages – ISBN 9782246859277

Les genres musicaux

Gérard Denizeau, 2006

Larousse – 255 pages – ISBN 9782035826527

De leur naissance à leur disparition ou à leur transformation, les genres musicaux forment une part de l’histoire de la musique : ils mettent en lumière des particularités de chaque époque. l’ouvrage se fait l’écho de cette préoccupation. Il suit une progression chronologique, introduisant tour à tour les genres religieux et profanes, vocaux et instrumentaux du Moyen Age au XXe siècle. Rédigée dans un langage accessible à tous, l’étude de chaque genre est découpée en plusieurs rubriques récurrentes : des éléments d’histoire retracent l’apparition du genre, mais aussi son développement et son évolution ; une description des caractères musicaux donne les clés d’identification ; les œuvres majeures sont présentées chronologiquement ; pour les genres importants, un exemple musical fait l’objet d’un commentaire ; l’iconographie, ponctuelle et pertinente, donne le reflet visuel du genre. Les Genres musicaux offrent, dans un format pratique et maniable, une invitation à écouter lancée à un public soucieux d’enrichir ses connaissances, du mélomane curieux à l’étudiant en musicologie.

Les instruments de musique

Wilhelm Stauder, 1957

Payot – 190 pages – ISBN null

Les philosophes et la musique.

Enrico Fubini, 2016

Honoré Champion – 292 pages – ISBN 2051027676

Les portraits sonores du docteur Léon Azoulay

Jérôme Hallier, 2018

Companyédition Flammarion/Versilio – 239 pages – ISBN 9782081430037

1900, le chantier de l’Exposition universelle de Paris s’achève sous les yeux du docteur Azoulay, impatient de se lancer dans un projet insensé : la création d’un musée des sons de l’humanité. Au même moment, à Kyoto, le destin de la geisha débutante O-miya bascule quand les notes si singulières de son shamisen parviennent aux oreilles d’un capitaine de la Marine impériale. Au même moment, dans les Appalaches, Tommy, ouvrier dans une carrière de granite, abandonne travail et amis pour partir, avec son banjo, à la recherche d’un musicien légendaire. Dans l’effervescence d’un siècle qui commence, la musique attire inéluctablement vers elle ces trois mondes.

Lexique de la percussion

François Dupin, 1971

Richard Masse – 70 pages – ISBN null

Live Bootleg : Brandon LaBelle (1CD audio)

Ken Erlich, 2008

Les Presse Du Reel – 192 pages – ISBN 9782840662365

Magnificat : Jean-Sébastien Bach, Le Cantor

Paule Du Bouchet, 1991

Gallimard – 192 pages – ISBN 9782070531448

Max/MSP/Jitter for Music: A Practical Guide to Developing Interactive Music Systems for Education and More

V.J. Manzo, 2011

OUP USA – 360 pages – ISBN 9780199777686

Modulations

Peter Shapiro, 2004

Editions Allia – 340 pages – ISBN 9782844851475

L’histoire des musiques électroniques. Chaque chapitre, rédigé par un spécialiste, couvre une période de leur développement ou une branche de leur activité créative : depuis le futurisme italien jusqu’aux travaux de la déconstruction sonore des musiciens de la house ou du downtempo contemporains.

Monsieur Croche et autres écrits

Claude Debussy, 1987

Gallimard – 364 pages – ISBN 9782070711079

Moondog Légende

Pierre Hild, 2007

Editions de l’Attente – null pages – ISBN 9782914688673

Musée des instruments de musique. Guide du visiteur (français)

undefined Collectif, 2000

Editions Mardaga – 216 pages – ISBN 9782870097281

Music, arts and technologies

Roberto Barbanti, 2004

Editions L’Harmattan – 420 pages – ISBN 9782747566919

L’utilisation des nouvelles technologies par la musique et les arts n’est plus chose nouvelle. En réunissant des compositeurs et des artistes, des musicologues et des théoriciens de l’art, des esthéticiens et des sociologues de l’art, ce livre aborde l’effrangement des arts, les relations entre technologie et idéologie, les mutations des sens, le rapport réel-virtuel, les notions de musiques « savantes » et « musiques « populaires ».

Musical Paintings

Malcolm McLaren, 2009

JRP Ringier – 128 pages – ISBN 9783037640586

Musique & mathématiques

undefined Genevois, 2002

Aléas – 194 pages – ISBN 9782908016833

Musique (Poche)

Michel Serres, 2014

LE POMMIER – 300 pages – ISBN 9782746508736

Musique absolue: Une répétition avec Carlos Kleiber

Bruno Le Maire, 2014

Folio – 128 pages – ISBN 9782070457113

Musique au singulier (La)

François-Bernard Mâche, 2001

Odile Jacob – 310 pages – ISBN 9782738110282

Qu’y a-t-il de commun entre les musiques de tous les temps et de toutes les cultures ? Peut-on repérer des formes sonores identiques ? Existe-t-il des principes d’organisation similaires ?François-Bernard M‚che reprend ici la question des universaux en musique et montre en quoi le jeu musical est un jeu poétique et naturel, qui s’esquisse déjà dans le monde animal. On comprend mieux dés lors que l’homme puisse éprouver des émotions aussi intenses à l’écoute et au maniement des sons. On comprend mieux, aussi, que la musique puisse être une sorte de lieu-test pour la distinction entre nature et culture. Compositeur et musicologue de réputation internationale, professeur à l’EHESS, François-Bernard M‚che a reçu le Grand Prix national de la Musique pour l’ensemble de son œuvre.

Musique du son, musique du verbe

Marcel Beaufils, 1994

Klincksieck – 219 pages – ISBN 2252029803

Musique et Arts Plastiques (interactions au XXe siècle)

Jean-Yves Bosseur,

Minerve – 306 pages – ISBN 2869310889

Musique et beaux arts…

J.-Y. Bosseur, 2000

Minerve – 196 pages – ISBN 9782869310919

Musique et cinéma : Le mariage du siècle ?

undefined Collectif, 2013

Actes Sud Editions – 264 pages – ISBN 9782330016081

Musique et document sonore : Enquête sur la phonographie documentaire dans les pratiques musicales contemporaine

Pierre-Yves Macé, 2012

Les Presses du réel – 336 pages – ISBN 9782840664994

Musique et instruments de musique du Maghreb

Francisco Salvador-Daniel, 1986

Boîte à Documents – 175 pages – ISBN 2906164003

Musique populaire, musique savante

Paolo Scarnecchia, 2003

Edisud – 124 pages – ISBN 9782744903069

Musiques et images au cinéma

Marie-Noëlle Masson, 2003

PU Rennes – 255 pages – ISBN 2868478913

Musiques expérimentales

Philippe Robert, 2007

Le Mot et le reste – 393 pages – ISBN 9782915378467

Des futuristes aux réductionnnistes, une anthologie des réfractaires à l’académisme en matière de poésie sonore, de jazz et de rock, qui ont choisi le terrain de l’expérimentation : Luigi Russolo, Isidore Isou, Iannis Xenakis, DJ Spooky, Trapist, John Zorn…

Musiques savantes: De John Zorn à la fin du monde et après… 1990-2015

Guillaume KOSMICKI, 2017

Le Mot et le reste – 333 pages – ISBN 9782360542918

Neil Young Harvest

Christophe Pirenne, 2014

Densité – 72 pages – ISBN 9782919296026

No silence – 4’33 » de John Cage

Kyle Gann, 2014

Allia – 224 pages – ISBN 9782844858917

Notes sur la musique

Darius Milhaud, 1982

Flammarion – 243 pages – ISBN 9782080644411

Où va la musique ? : Numérimorphose et nouvelles expériences d’écoute

undefined Collectif, 2016

Presses de l’Ecole des mines – 262 pages – ISBN 9782356714077

PAR VOLONTE ET PAR HASARD

Pierre Boulez, 1975

Seuil – 159 pages – ISBN 9782020042789

Parcours avec l’orchestre

Mauricio Kagel, 1993

L’Arche éditeur – 190 pages – ISBN 9782851813206

Parler, composer, jouer – Sept leçons sur la musique

Karol Beffa, 2017

Le Seuil – 240 pages – ISBN 9782021352344

Passages

Philippe Beaussant, 2006

Fayard – 232 pages – ISBN 9782213633619

Il est des moments de l’histoire où tout semble s’accélérer : non seulement les événements, mais les pensées des hommes et leur transcription dans l’art. C’est ce qui se passe entre 1560 et 1610, entre le temps de Tintoret et celui de Véronèse, du Tasse, de Monteverdi et du Caravage. Mais peut-on tenter de dire l’essentiel d’une époque charnière en se contentant d’évoquer quelques œuvres, quelques peintures, fragments de poèmes et moments musicaux ? C’est le pari que fait Philippe Beaussant : ce resserrement sur un petit nombre d’œuvres rendra encore plus évident le sens de ces transformations incroyables de la pensée et de l’art. Il croit aussi que tout se tient, et qu’entre la peinture, la poésie et la musique, il y a des rapports trop souvent négligés. Le Tintoret comment le Temps entre dans la peinture. Véronèse comment elle devient théâtre, alors que son ami Palladio construit la première salle, et qu’il dessine pour lui les costumes. Comment le Tasse installe la tragédie dans l’épopée, comment Monteverdi en fait l’opéra, comment le Caravage établit entre l’ombre et la lumière un terrible combat… Tout cela, que Montaigne a appelé Passage…

Paul McCartney

Paul Du Noyer, 2018

J’ai lu – 576 pages – ISBN 9782290130926

Après la fulgurance du phénomène Beatles puis leur douloureuse séparation, Paul McCartney a su recommencer de zéro, tant en groupe qu’avec une carrière solo. Dans ces conversations intimes et inédites, il revient sur son parcours. De leurs débuts à Liverpool à leur conquête de l’Amérique, les Beatles ont été le reflet de leur temps et des modèles pour les générations à venir. Malgré ce destin hors du commun, le bassiste est resté un homme simple. Optimiste, curieux, l’icône nous parle de ses influences (Bob Dylan, les Stones, Stevie Wonder, Michael Jackson, Magritte, Picasso, la Beat Generation ou le surréalisme) et de ses racines. Le portrait de l’être humain derrière la légende, et d’un artiste passionné.

Penser la musique aujourd’hui

Pierre Boulez, 1987

Gallimard – 167 pages – ISBN 9782070709014

Perfecting Sound Forever

Greg Milner, 2014

Le Castor Astral – 437 pages – ISBN 9782859209841

Greg Milner ne propose pas seulement de découvrir l’évolution de l’enregistrement sonore, il met en lumière une partie trop souvent occultée de l’histoire de la musique. Des tests sonores effectués par Thomas Edison au « mur de son » de Phil Spector, jusqu’aux tubes hypercompressés des Red Hot Chili Peppers, en passant par Les Paul, King Tubby, Steve Albini ou Neil Young, ce livre raconte le destin d’hommes fascinés par la musique et sa captation. A l’heure du numérique et du dématérialisé, Greg Milner raconte comment la musique a fait évoluer la technologie de l’enregistrement, mais aussi comment cette technologie a elle-même influencé la musique. Perfecting Sound Forever (nominé au National Book Critics Circle Award) marque un tournant dans l’histoire de la musique et sa narration.

Petite bibliothèque du chanteur

Vincent Delacroix, 2012

Flammarion – 351 pages – ISBN 9782081270862

Phill Niblock, working title

Phill Niblock, 2012

Les Presses du réel – 515 pages – ISBN 9782840664239

Un panorama des activités, depuis les années 1960, de l’artiste-musicien new-yorkais, compositeur majeur du courant minimaliste américain et artiste multimédia avant la lettre, à travers une vingtaine d’essais de musicologues, de critiques et d’historiens de l’art, des entretiens, divers documents et plus de 8 heures de vidéos sur DVD.

Philosophie Du Goût Musical

Pierre Lasserre, 1922

Grasset – 147 pages – ISBN 1172067961

Philosophie de la musique

Robert Muller, 2013

Librairie Philosophique J Vrin – 308 pages – ISBN 9782711623792

Depuis l’Antiquité, la plupart des grands noms de notre tradition philosophique ont traité de la musique, lui consacrant parfois des développements importants – d’aucuns furent aussi compositeurs. Parmi les questions posées, celle de l’objet de la musique reste l’une des plus énigmatiques : que la musique dise ou exprime quelque chose a été admis comme une évidence pendant des siècles, mais la nature de ce qu’elle peut ou doit exprimer, ainsi que les moyens appropriés à cette fin, ont donné lieu à des débats assez vifs auxquels ont pris part musiciens et écrivains, par-delà le cercle étroit des philosophes ; débats révélant une profonde inquiétude sur la possibilité même, pour la musique, d’avoir un contenu. une grande partie des théories de la musique se sont ainsi constituées pour répondre à cette question de l’indétermination – apparente ou réelle, menaçante ou salutaire – de son contenu Les textes réunis ici, selon les cas peu connus, méconnus ou difficiles d’accès, illustrent les principales étapes de ce débat.

Philosphies de la musique

Belinda Cannone, 1990

Klincksieck Editions – 310 pages – ISBN 2878410505

Planètes sonores

Alexandre Castant, 2007

monografik éditions – 208 pages – ISBN 9782916545400

Résultat d’une recherche sur les relations étroites entre la radiophonie, les arts plastiques et le cinéma, constituant ainsi une ébauche d’esthétique du son dans les arts visuels.

Pour comprendre les musiques d’aujourd’h

Barraud Henry, 1968

Seuil – 222 pages – ISBN 2020020173

Pour les oiseaux

John Cage, 2002

Herne – 295 pages – ISBN 9782851972279

Pour les Oiseaux, suite d’entretiens du compositeur américain John Cage avec le philosophe Daniel Charles, constitue, en quelque sorte, une initiation à la démarche de l’un des créateurs les plus passionnants et les plus controversés du XXe siècle. Inventeur du piano préparé, accompagnateur de Merce Cunningham, amateur d’oracles chinois ou metteur en scène de spectacles multimédia, graveur-sculpteur, voire mycologue incollable, ces entretiens nous restituent, chacun, dans un jeu de facettes, la complexité réelle, profonde à force d’être protéiforme, du phénomène Cage. Plus que des témoignages, Pour les Oiseaux nous offre d’observer la pensée de Cage au travail, de celui qui est, encore et toujours aujourd’hui, le premier grand praticien de l’oubli. Il redécouvre (et ne cesse par là de découvrir pour la première fois, dans ses textes et musiques ou non-musiques) que l’art et la culture sont à décrisper et à désintellectualiser, et que  » la  » musique n’est nullement une mnémotechnie plus ou moins culpabilisante à vocation élitiste, voire théocentrique, mais plutôt un gigantesque flux machinique païen-plébéien, acentré et évanescent, auquel il n’est plus question de se soustraire. Musica mundana : musical est le jaillissement de tout ce qui est, en tant qu’il advient, musical est le monde. Bref, la jouissance, en musique, de toutes parts, tous azimuts, par tout le corps, par tout le monde. Comme jadis on péchait : par-action-et-par-omission. Par volonté et par hasard.

Pourquoi la musique ?

Francis Wolff, 2015

Fayard – 464 pages – ISBN 9782213685809

Power Chords in the exploded field (1CD audio)

Saâdane Afif, 2006

JRP Editions – 112 pages – ISBN 9783905770063

Pratique elementaire de la musique 112897

Paul Hindemith, 1986

Lattès – 247 pages – ISBN 9782709604772

Précis d’Histoire de la Musique

Paul Bertrand,

Alphonse Leduc – null pages – ISBN null

Précis de musicologie

Jacques Chailley, 1984

Presses Universitaires de France – PUF – 496 pages – ISBN 2130384579

Priéres américaines

undefined Collectif, 2002

Les Presses du réel – 189 pages – ISBN 2840660687

Principes fondamentaux de formation musicale et leur application

Maurice Martenot, 1990

Magnard – 238 pages – ISBN 2210781507

Prog 100 : Le rock progressif, des précurseurs aux héritiers

Frédéric Delâge, 2014

Le mot et le reste – 250 pages – ISBN 9782360541539

Qu’est-ce que la musique ?

Eric Dufour, 2005

Librairie Philosophique J Vrin – 123 pages – ISBN 9782711617463

Une interrogation sur la musique suivie de textes D’E.-T. Hoffman et de L. Wittgenstein.

Quinze analyses musicales : De Bach à Manoury

Claude Helffer, 2000

Contrechamps Editions – 222 pages – ISBN 9782940068142

Ravel

Vladimir Jankélévitch, 1956

Seuil – 190 pages – ISBN 202000223X

Raymond Gervais – 3 X 1

Nicole Gingras, 2011

Presses du Reel – null pages – ISBN 9782920394865

Regarder, écouter, lire

Claude Lévi-Strauss, 1993

Plon – 188 pages – ISBN 9782259027151

Rencontres avec Pierre Boulez

Antoine Goléa, 1958

Julliard – 256 pages – ISBN 205000205X

En dix ans, Pierre Boulez s’est acquis la première place parmi les jeunes musiciens qui, depuis la fin de la guerre, déterminent et définissent le paysage musical de l’Europe. L’éminent critique musical Antoine Goléa dépeint ici la personnalité si attachante de Pierre Boulez sous un double aspect : celui, essentiel, du créateur et celui, non moins passionnant, du porte-drapeau de la musique vivante, en France et partout à l’étranger. Et tout en analysant l’œuvre de Boulez, il évoque en même temps les lieux qui ont vu naître cette œuvre et combattre l’homme en faveur de ses idées, de ses convictions, qui sont aussi celles des plus valeureux parmi les jeunes musiciens d’aujourd’hui, tous ses camarades d’espoir et de combat. Ce livre veut être le tableau vivant et varié d’une des plus passionnantes aventures spirituelles et esthétiques de notre temps.

Replay Marclay

Christian Marclay, 2007

RMN – 160 pages – ISBN 9782711852918

Réelles présences

George Steiner, 1991

Editions Gallimard – 286 pages – ISBN 9782070721337

Révolutions musicales

Jean-Yves Bosseur, 2012

Minerve – 291 pages – ISBN 2869310072

Rock & folk

Philippe Manoeuvre, 2012

Editions Albin Michel – 215 pages – ISBN 9782226208163

Fondé en 1966 par Philippe Koechlin, Robert Baudelet et Jean Tronchot, le mensuel Rock & Folk est entièrement consacré au Rock’n’roll. Il a contribué à populariser le rock anglo-saxon et français auprès du public. En juillet 1966, il paraissait en numéro hors-série de Jazz Hot avec Bob Dylan en couverture, avant la sortie du premier numéro en novembre 1966, avec Michel Polnareff en couverture. Rock & Folk a remporté d’emblée un grand succès auprès du public français. A ses débuts, le mensuel fait la part belle à la chanson, avec Brassens, Ferré ou Moustaki en couverture. L’interview-réunion Brel-Brassens-Ferré du 6 janvier 1969 et la photo qui lui est associée sont restées célèbres. Tout d’abord voulu comme un magazine d’information, Rock & Folk a peu à peu développé une vision intellectualisée du rock, et il faudra attendre 1993 pour que Philippe Manoeuvre, devenu rédacteur en chef, lui donne un second souffle après un long passage à vide. A travers les 500 principales couvertures du magazine et les interviews de personnalités ayant participé à l’évolution de Rock & Folk, Philippe Manoeuvre nous raconte l’histoire de ce magazine musical devenu un incontournable de la culture rock.

Rock, music : Textes

Dan Graham, 1999

Les Presses du réel – 157 pages – ISBN 2840660334

Satie

Rey Anne, 1974

Seuil – 190 pages – ISBN 9782020234870

Sémantique musicale

Alain Daniélou, 1978

Hermann – 131 pages – ISBN 270561334X

Sheet Music

Johannes Kreidler, 2018

Allia – 160 pages – ISBN 9791030409598

La musique doit sortir de son cadre temporel. Elle n’est pas seulement acoustique, elle a aussi un contexte visuel. Et c’est toujours de la musique.

Silence

John Cage, 2003

Héros-Limite – 288 pages – ISBN 9782970030065

Où que nous soyons, ce que nous entendons est essentiellement du bruit. Lorsque nous n’y prêtons pas attention, cela nous dérange. Lorsque nous l’écoutons, nous le trouvons fascinant. Le son d’un camion à 50 miles à l’heure Les parasites entre les stations de radio. La pluie. Nous voulons capturer et contrôler ces sons, les utiliser non comme des effets sonores, mais comme des instruments de musique.

Silence … on bruite!

André Naudin, 2000

Editions Dixit – 223 pages – ISBN 9782844810175

Cet ouvrage fait entrer le lecteur dans l’univers du métier de bruiteur, avec André Naudin qui a bruité plus de 1.000 films.

Sonate que me veux-tu ? : Réflexions sur les fins et les moyens de l’art musical

undefined Roland-Manuel, 1996

Editions Ivréa – 90 pages – ISBN 9782851842510

Sonic process

Christine van Assche, 2002

Editions du Centre Pompidou – 311 pages – ISBN 9782844260987

Cet ouvrage, le premier du genre, explore les riches et mouvants territoires du paysage sonore contemporain tel que le dessine, depuis une quinzaine d’années, sur la carte du monde, la culture électronique des musiques et des images. Statut de l’œuvre et de l’auteur, processus économiques de production, flux esthétiques, mais aussi croisement entre arts plastiques et musique électronique sont quelques sujets de réflexion abordés ici par des musiciens, des philosophes, des critiques, des créateurs, spécialistes ou acteurs de ce domaine. Accompagné d’un CD des œuvres des artistes invités à l’exposition  » Sonic Process  » organisée à la fin de l’année 2002 par le Centre Pompidou, ce livre prospectif ouvre ainsi à la toute nouvelle histoire des sons qui, par la médiation de l’informatique et de ses réseaux, a su bouleverser et renouveler tant les pratiques artistiques que leur réception.

Sons & lumières

Sophie Duplaix, 2004

Editions du Centre Pompidou – 375 pages – ISBN 9782844262448

Cet ouvrage est dit l’occasion de la grande exposition thmatique du Centre Pompidou  » Sons & Lumires  » consacre aux relations entre la musique/le son et les arts plastiques au XXe sicle. Le XXe sicle est souvent considr comme un moment de convergence et de dialogue des arts. Tandis qu’avec l’essor de l’abstraction, autour de 1910, la peinture cherche une correspondance avec cet art abstrait par excellence qu’est la musique, les nouveaux mdias ns du dveloppement de l’lectricit prennent le relais de ce mythe ancestral. Les arts de la lumire, le cinma et la vido offrent tout au long du sicle un terrain d’investigation particulirement fertile aux confrontations entre l’image et le son. Paralllement, les pratiques cratrices se nourrissent d’une rflexion critique sur les possibles quivalences entre la vue et l’oue : partir de processus artistiques incluant des notions telles que le hasard, le bruit non hirarchis et le silence, les nouvelles approches de la musique lies la performance mettent en doute l’idal des  » correspondances « . la question pose par l’esthtique romantique puis par la gnration symboliste :  » Peut-on traduire les images en son et rciproquement ? « , l’art du XXe sicle offre des rponses multiples et contrastes, suivant tantt le fil de l’utopie, tantt celui d’une pure jouissance des sens. Le catalogue rend compte de la richesse et de la diversit de ces expriences singulires avec un abondant corpus d’uvres, de documents et un ensemble de textes prsentant une lecture scientifique et critique de ces affinits entre le sonore et le visuel, qui ont construit la sensibilit audiovisuelle de notre temps.

Sortir du cinéma

Erik Bullot, 2013

Musée d’Art Moderne et Contemporain (Mamco) – 267 pages – ISBN 9782940159536

Sortir du cinéma explore les relations de l’art et du cinéma en étudiant ce qui n’a pas eu lieu, ce qui aurait pu avoir lieu, ce qui est resté sans suite, ce qui a été oublié, ce qui est devenu une pure virtualité. À la manière d’une contre-histoire, à rebours, ce livre privilégie les figures oubliées, les impasses, les seuils, les trous noirs, les fantômes, les rencontres sans suite, les anachronismes. 0Cette enquête, au sens borgésien du terme, sur les relations virtuelles entre l’art et le cinéma, suppose un mode d’exposition dramatique qui ménage des tableaux et des scènes, qui fasse usage des figures de la rhétorique et de la prosopopée. Car il s’agit ici d’une métahistoire du film pour laquelle ± donner une description précise de ce qui ne s’est jamais passé » s’annonce, selon Oscar Wilde, comme la tâche primordiale de l’historien.

Sound Art

Alan Licht, 2007

Rizzoli – 303 pages – ISBN 9780847829699

Over the past century, an art form has emerged that draws from the worlds of visual art and music. Sound art’s roots can be found in the experimental work of Italian Futurism, Dada, and later the Fluxus group and the pioneering efforts of the American composer and artist John Cage. In the wake of this groundbreaking work, sound art began to mature into a movement, and artists explored the interactive possibilities of sound and in turn created entirely new modes of experiencing and engaging with art. In this volume, the complete story of sound art is told by one of the country’s leading critics and scholars. The author traces the history of this form of art–highlighting the convergence of the indie world bands such as Sonic Youth with the art world–looking at the critical cross-pollination that has led to some of the most important and challenging art being produced today, including work by Christian Marclay, LaMonte Young, Janet Cardiff, Rodney Graham, and Laurie Anderson, among many others.

Sound Design

David Sonnenschein, 2001

Michael Wiese Productions – 245 pages – ISBN 9780941188265

The clash of light sabers in the electrifying duels of ‘Star Wars’. The chilling bass line signifying the lurking menace of the shark in ‘Jaws’. These are examples of the different ways sound can contribute to the overall dramatic impact of a film. To craft a distinctive atmosphere, sound design is as important as art direction and cinematography – and it can also be an effective tool to express the personalities of your characters. This book pulls together theory and background on sound generation, psychoacoustics, music, voice, image, and narrative. The sources are wide and sometimes very technical or esoteric, but the purpose of this text is to be user-friendly and practical.

Sound for Digital Video

Tomlinson Holman, 2005

Taylor & Francis – 306 pages – ISBN 9780240807201

Achieve professional quality sound on a limited budget! Harness all new, Hollywood style audio techniques to bring your independent film and video productions to the next level. In Sound for Digital Video, Second Edition industry experts Tomlinson Holman and Arthur Baum give you the tools and knowledge to apply recent advances in audio capture, video recording, editing workflow, and mixing to your own film or video with stunning results. This fresh edition is chockfull of techniques, tricks, and workflow secrets that you can apply to your own projects from preproduction through postproduction. New to this edition: A new feature on « true » 24p shooting and editing systems, as well as single vs. double-system recording A strong focus on new media, including mini-DVDs, hard disks, memory cards, and standard and high-definition imagery Discussion of camera selection, manual level control, camera and recorder inputs, location scouting, and preproduction planning Instruction in connectors, real-time transfers, and file-based transfers from DVDs, hard drives, and solid state media. Blu-Ray and HD tape formats for mastering and distribution in addition to file-based, DV, and DVD masters. A revamped companion website, www.focalpress.com/cw/holman, featuring recording and editing exercises, examples and sample tracks Whether you are an amateur filmmaker who wants to create great sound or an advanced professional in need of a reference guide, Sound for Digital Video, Second Edition is an essential addition to your digital audio tool belt.

Sur la musique

André Suarès, 2013

Actes Sud Editions – 219 pages – ISBN 9782330020125

Tacet, N° 1 : Qui est John Cage ?

Matthieu Saladin, 2012

Editions meteo – 532 pages – ISBN 9782953951608

Talkin’that talk : le langage du blues et du jazz

Jean-Paul Levet, 1992

Hatier – 312 pages – ISBN 9782907891806

Temps et musique

Eric Emery, 1998

L’AGE D’HOMME – 695 pages – ISBN 9782825132258

The Advancing Guitarist

Mick Goodrick, 1987

HL Music – 119 pages – ISBN 3327850253958

The Complete Arranger

Sammy Nestico, 2015

CreateSpace Independent Publishing Platform – 422 pages – ISBN 9781502745118

A reference guide and how-to book that no serious student of arranging should ever be without – comprehensive, practical and versatile. 2 CD’s containing 100 tracks demonstrate solo and ensemble instrumental colors, textures and styles. The presentation is thorough and logical – basics first, specific components next, then advanced techniques for putting it all together. Includes chapters on special purpose instruments, making MIDI work for you, and the symphonic band. 430-page book and 2 CDs available for download.

The Fundamentals of Sonic Art and Sound Design

Tony Gibbs, 2007

AVA Publishing – 175 pages – ISBN 9782940373499

Sound is all around. In movies. On TV. On the radio. Now the idea that sound can be an artistic medium in its own right is shaking the art world. Written by an authority in the field, The Fundamentals of Sonic Arts and Sound Design describes and begins the process of defining this entirely new subject. Topics covered include new and radical approaches to sound recording, performance, installation works and exhibitions, plus visits with sonic artists and sound designers. Designed for students, yet packed with exciting examples of the principles and practice of this new art form, this book is on the cutting edge where technology and art meet.

The Infinite Variety of Music

Leonard Bernstein, 2007

Hal Leonard Corporation – 286 pages – ISBN 1574671642

(Amadeus). With style, wit, and expertise, Leonard Bernstein shares his love and appreciation for music in all its varied forms in The Infinite Variety of Music , illuminating the deep pleasure and sometimes subtle beauty it offers. He begins with an « imaginary conversation » with George Washington entitled « The Muzak Muse, » in which he argues the values of actively listening to music by learning how to read notes, as opposed to simply hearing music in a concert hall. The book also features the reproduction of five television scripts from Bernstein on the influence of jazz, the timeless appeal of Mozart, musical romanticism, and the complexities of rhythmic innovation. Also included are Bernstein’s analyses of symphonies by Dvorak, Tchaikovsky, Beethoven, and Brahms, a rare reproduction of a 1957 lecture on the nature of composing, and a report on the musical scene written for the New York Times after his sabbatical leave from directorship of the New York Philharmonic during the 1964-65 season.

The Joy of Music

Bernstein Leonard, 2004

Hal Leonard Corporation – 315 pages – ISBN 1574671049

(Amadeus). This classic work is perhaps Bernstein’s finest collection of conversations on the meaning and wonder of music. This book is a must for all music fans who wish to experience music more fully and deeply through one of the most inspired, and inspiring, music intellects of our time. Employing the creative device of « Imaginary Conversations » in the first section of his book, Bernstein illuminates the importance of the symphony in America, the greatness of Beethoven, and the art of composing. The book also includes a photo section and a third section with the transcripts from his televised Omnibus music series, including « Beethoven’s Fifth Symphony, » « The World of Jazz, » « Introduction to Modern Music, » and « What Makes Opera Grand. »

The New Grove Twentieth-Century American Masters

J. Kirkpatrick, 1988

Palgrave Macmillan – 328 pages – ISBN 9780333457788

The Oxford Book Of English Madrigals – Vocal

Philip Ledger, 2009

Oxford – 408 pages – ISBN 9780193436640

The Sound Effects Bible

Ric Viers, 2008

Michael Wiese Productions – 326 pages – ISBN 9781932907483

The Sound Effects Bible is a complete guide to recording and editing sound effects. The book covers topics such as microphone selection, field recorders, the ABCs of digital audio, understanding Digital Audio Workstations, building your own Foley stage, designing your own editing studio, and more.

The rest is noise : A l’écoute du XXe siècle, la modernité en musique

Alex Ross, 2010

Actes Sud – 767 pages – ISBN 9782742791163

Theodore Dubois – Traite d Harmonie Théorique et Pratique

Théodore Dubois, 2014

Alphonse Leduc – null pages – ISBN 9790047277497

Théorie et pratique de la prise de son stéréophonique

C. Hugonnet, 2003

Eyrolles – 258 pages – ISBN 9782212113341

Tout est bruit pour qui a peur

Pierre Albert Castanet, 1999

Michel de Maule – 455 pages – ISBN 9782876232167

En prenant symboliquement pour titre la phrase de Sophocle :  » Tout est bruit pour qui a peur « , Pierre Albert Castanet confirme son intérêt pluriel – compositionnel, musicologique et esthétique – envers les audaces exploratrices de la sphère musicale du XXe siècle. Embrassant autant les modes d’expression savante que populaire, l’auteur cerne les différentes topiques du son-bruit en éclairant ses multiples vertus insoupçonnées. Confidence métaphorique, le phénomène bruiteux est ainsi analysé aux prismes de l’histoire, de la musicologie, de la sociologie, de la théorie, de l’anthropologie, de la philosophie, de l’esthétique et de leur aura périphérique immédiate. Foisonnant d’exemples clairs et précis, œuvrant  » pour une histoire sociale du son sale « , Tout est bruit pour qui a peur peut se lire comme un guide avisé de la modernité sonore du siècle dernier. Lors de sa première édition, l’ouvrage – préfacé par Hugues Dufourt – a reçu le Prix des Muses (2000) décerné par L’Express et France Culture.

Traité d’Harmonie

Arnold Schoenberg, 2008

Lattes – 592 pages – ISBN 9782709602242

Traité de musicologie comparée

Alain Daniélou, 1987

Hermann – 185 pages – ISBN 9782705612658

Traité des objets musicaux

Pierre Schaeffer, 1977

Seuil – 700 pages – ISBN 2020026082

Les trouvailles contemporaines masquent (ou bien révèlent ?) une énigme de toujours : la musique est-elle science ou art ? Quels sont ses éléments : signal physique ou signe d’un langage ? Mais la musique est-elle un langage ? D’ailleurs, de quelle musique s’agit-il : occidentale ou primitive, concrète, électronique ?… Y a-t-il des musiques singulières ou une musique plurielle ? Si Pierre Schaeffer répond que la musique est une architecture qui parle, c’est bien qu’il propose d’entrevoir son dualisme fondamental: ses racines à la fois naturelles et culturelles, les lois de ses matériaux comme les systèmes de ses références. Il ne saurait être question de déduire les uns des autres, mais bien de mettre en corrélation deux sortes de phénomènes relevant de deux sortes de connaissances : celle de la Nature et celle de l’Homme. On ne s’étonnera donc – pas que Pierre Schaeffer tourne autour de l’objet musical et le présente sous ses divers aspects. L’approche est successivement historique, linguistique, physique, philosophique, méthodologique, « acoulogique », musicale. On en arrive à une double conclusion: du concours des disciplines surgit une méthode propre à la musique, destinée à renouveler le solfège traditionnel et à fonder les musiques dans leur généralité. D’autre part, un tel itinéraire mène à son tour aux passages hermétiques – à moins qu’ils ne soient occultés par le respect humain – entre science et art, ces deux moitiés de l’expérience humaine. Aussi est-il de la vocation d’Orphée, sinon de résoudre l’énigme, du moins de l’affronter et de répondre à l’espoir que mettent en lui des créatures encore sauvages : qu’une réponse des choses soit donnée à la question des hommes.

Tubes

Peter Szendy, 2008

Les Editions de Minuit – 94 pages – ISBN 9782707320421

C’est Boris Vian qui semble avoir inventé l’usage argotique du mot tube, pour désigner une chanson à succès. C’est-à-dire, le plus souvent. une chanson quelconque. qui ressemble à toutes les autres et qui chante volontiers sa banalité même. Or, ces mélodies, ces airs comme ça nous hantent, prolifèrent en nous comme des vers d ‘oreilles. Jusqu’à devenir parfois la bande-son de notre vie, commémorant tel moment passé, tel vécu singulier. Comment penser cette conjonction paradoxale, propre sans doute aux tubes, entre le plus banal et le plus singulier » Comment le cliché musical qui circule jusqu’à l’usure peut-il être porteur de l’unique, d’un affect à nul autre pareil ? À ces questions, ce sont d’une part les tubes eux-mêmes qui répondent, si on sait leur prêter l’oreille : les histoires que racontent nombre d’entre eux (Je suis venu te dire que je m’en vais ou Parole, parole, parole, parmi tant d’autres qui habitent ces pages) parlent indirectement de leur propre pouvoir, des obsessions qu’ils suscitent. Mais, d’autre part, les tubes demandent aussi à être pensés, à être élevés à la dignité d’objets philosophiques. Aussi est-ce en lisant Kierkegaard, Kant, Marx, Freud ou Benjamin que l’on tente ici d’interpréter leurs rapports avec l’argent, ainsi que l’épreuve de la reprise dont ils nous font faire l’expérience. Enfin, pour les voir à l’œuvre dans leur manière unique d’articuler la psyché et le marché, il fallait se rendre au cinéma. De Fritz Lang à Alain Resnais, en passant par l’incontournable Hitchcock, les tubes apparaissent comme cette production inouïe du capitalisme avancé : un hymne intime à l’échange.

Un art sonore, le cinéma

Michel Chion, 2003

Cahiers du Cinéma – 478 pages – ISBN 9782866423643

Un art sonore, et pas seulement visuel, le cinéma, contrairement au cliché, l’a été dès 1895. Ce livre-somme, théorie globale du cinéma due au principal auteur sur ce sujet dans le monde, couvre toute l’histoire de l’expression cinématographique sur plus d’un siècle, avec un accent particulier mis sur les trente dernières années, celles du Dolby. Tout en accordant une place d’honneur aux auteurs qui ont incarné la grandeur du cinéma sonore (comme Chaplin, Vigo, Hitchcock, Tati, Tarkovski, etc.), cet ouvrage montre aussi que celui-ci vit dans toutes les époques et tous les pays, et qu’il continue d’évoluer et de s’enrichir avec les nouvelles tendances du cinéma récent.

Une histoire de la modernité sonore

Jonathan Sterne, 2015

La Découverte – 505 pages – ISBN 9782707185839

« Il vous faut un casque audio » : ce slogan publicitaire du début du XXe siècle n’a rien perdu de son actualité. S’isoler dans un monde de sons, prêter attention aux détails acoustiques, rechercher la haute fidélité sonore, communiquer à distance et construire un réseau social… ces pratiques s’enracinent dans un ensemble de transformations intervenues au tournant du XIXe alors que gramophone, stéthoscope, téléphone et autres dispositifs d’écoute deviennent les protagonistes d’une histoire passionnante, celle de notre culture sonore. Jonathan Sterne s’intéresse aussi bien aux anthropologues collectant des chants indigènes qu’aux auditeurs occidentaux surpris par les voix des morts. Son ambition est de rendre compte de l’importance de l’histoire du son dans tous les aspects de la « modernité » : l’évolution des sciences, la mutation de la médecine, la popularisation des techniques et des médias, l’essor concomitant du capitalisme et du colonialisme, les nouvelles formes de pouvoir collectif et entrepreneurial. Une histoire de la modernité sonore propose une alternative au récit dominant selon lequel la culture occidentale, en devenant moderne, serait passée d’une culture de l’audition à une culture de la vision. Livre fondateur des sound studies, il est d’ores et déjà considéré comme une référence dans ce domaine émergent.

Very good trip

Michka Assayas, 2018

Le Mot et le reste – 352 pages – ISBN 9782360545124

Eh oui, le grand voyage commence aujourd’hui. A partir de ce matin, pendant un mois, je vous embarque dans un very good trip, c’est promis, à travers les paysages magiques, parfois oubliés ou méconnus, de l’histoire du rock, au sens très large. Chaque semaine, ce sera un voyage différent Pour commencer, je vous convie à un grand tour dans un monde enchanté, celui de la pop mélodieuse, baroque et bizarre née lors de la période dite psychédélique. Il y a près de cinquante ans aujourd’hui – c’était un autre siècle, un autre monde – a eu lieu, dans la très jeune histoire du rock, cette révolution. Il s’agissait d’ouvrir, grâce à une musique nouvelle, de nouvelles voies à l’esprit humain, et même de lui apporter de nouvelles révélations. Alors, vous imaginez, à la radio, on s’est mis à entendre des choses extrêmement étranges. A l’été 2015, Michka Assayas, le critique rock, passeur et romancier qui a toujours su faire découvrir un pan de la culture musicale à l’aune de sa perception intime, démarre son émission Very Good Trip sur France Inter. Celle-ci a vu son premier cycle s’ouvrir sur la pop baroque des Beatles et des Beach Boys qu’il rattache au psychédélisme. Cette notion qui transcende les formes artistiques est le fil rouge de l’ouvrage : une sélection de ses émissions consacrées aux représentants originaux mais aussi actuels de cette culture. Bee Gees, Genesis, Beach House, Grizzly Bear, Queen, Radiohead, Pink Floyd ou Brigitte Fontaine apparaissent dans leurs différences mais, sous la plume savante de Michka Assayas, emmènent l’auditeur/lecteur à la découverte d’un univers homogène. Le passage de l’oralité à l’écrit se fait naturellement, offrant au lecteur des pistes d’écoutes toujours plus transversales qu’il sera libre d’arpenter à son gré.

Volume ! n° 12-2 : Special Beatles Studies

Divers auteurs, 2016

Éditions Mélanie Seteun – 242 pages – ISBN 9782913169401

Wagner, histoire d’un artiste

Guy de Pourtalès, 1932

Gallimard – 544 pages – ISBN 2884748652