La composition musicale

le son, la musique, glossaire

Voici un article un peu particulier car il est constitué de définitions sur la musique et le son. Toutes les définitions présentées ici ne sont pas de moi mais je me reconnais dans celles que j’ai choisies ;-)
Je sais ce qu’il y a de péremptoire à essayer de circonscrire en quelques mots des notions qui ont parfois rempli des volumes entiers, mais je vise ici un côté didactique, les notions abordées étant indispensables à la compréhension et l’analyse d’une pièce musicale.

Ce sont des fondamentaux.

Le son

Le son est caractérisé par quatre paramètres : la durée, la hauteur, l’intensité et le timbre

La durée

La durée est elle-même subdivisée en quatre niveaux d’organisation :

  1. la pulsation – battement régulier dans le rythme
  2. le tempo – la vitesse d’exécution d’un morceau
  3. le rythme – combinaison de sons et de silences de différentes durées
  4. la mesure – l’organisation du rythme en temps forts et faibles (mesure à deux, trois ou quatre temps).

La hauteur
La hauteur exprime la fréquence d’un son (grave/aigu)

L’intensité
L’intensité décrit la force d’un son (décibels).
Le timbre
Le timbre décrit la qualité ou la couleur d’un son. C’est ce qui permet de différencier une guitare d’une trompette par exemple.

La musique

Dans un sens assez large, on peut appeler musique toute pratique culturelle, artistique ou non, qui utilise les sons et les notes…

La musique peut se déployer selon trois dimensions fondamentales : le rythme, la mélodie et l’harmonie.

Selon les genres musicaux et les époques, l’une ou l’autre de ces trois dimensions pourra prédominer.
Par exemple, le rythme a généralement la primauté dans certaines musiques africaines traditionnelles (Afrique Noire notamment), la mélodie, dans la plupart des musiques de culture orientale et l’harmonie, dans la musique savante occidentale.

Le langage musical

Les éléments du langage musical sont (entre autres) la mélodie, le rythme, l’harmonie, la texture, la structure, le caractère et le style.

La mélodie
Une mélodie désigne l’impression produite par la succession de sons de différentes hauteurs.

Le rythme
Le rythme relève de la durée des sons et de leur niveau d’intensité (la dynamique).L’harmonie
L’harmonie considère la superposition des sons.

A ces trois éléments fondamentaux, on peut ajouter un certain nombre de paramètres non négligeables :

La texture
La texture décrit la couleur des sons en musique. Les compositeurs créent différentes textures en combinant des sons, des timbres d’instruments ou des voix pour atteindre différents effets.

La structure (forme)
La forme musicale est une catégorie regroupant des musiques partageant, entre autres choses, un certain style et une certaine destination. La voix étant un instrument tout à fait particulier (elle réside dans le corps de l’exécutant et permet d’ajouter du texte à la musique), la musique vocale et la musique instrumentale génèreront des formes musicales différentes. De façon analogue, la musique religieuse (ou musique sacrée) regroupera certaines formes musicales, tandis que son contraire (la musique profane) en regroupera d’autres. Bien entendu, d’une part, un même genre musical peut utiliser plusieurs formes musicales; et une même forme musicale peut appartenir à plusieurs genres musicaux.Le caractère
Le caractère désigne la façon d’interpréter une pièce musicale, c’est une recommandation d’exécution notée par le compositeur et visant à retrouver une certaine émotion indépendamment du rythme et de l’intonation. Exemple : joyeux, mélancolique, agitato, furioso, cantabile

Le style (genre musical)
Un genre musical nomme et tente de circonscrire une pratique musicale, tant du point de vue de son contexte culturel que par les caractéristiques techniques de sa construction et de son exécution

La composition musicale

Les principes de composition sont une manière de répartir et de mettre en place les sons et les éléments du langage musical dans une structure musicale. On ne retrouvera pas tous les principes dans chaque pièce musicale.

Les principes de composition sont la répétition, la variété, l’équilibre, l’acoustique, le climax et le dénouement, la transition et l’unité.

La musique est ainsi faite de l’interaction des éléments du langage musical et des principes de composition.

La répétition
La répétition est, à mon sens, le principe fondamental de toute composition musicale.Les compositeurs utilisent le principe de la répétition pour aider l’auditeur à se familiariser avec les idées principales ou les thèmes qui se trouvent dans l’œuvre. La répétition d’une mélodie, d’un thème ou d’un rythme rappelle ce qui veut être communiqué. La répétition sert également à créer l’unité dans une œuvre.La variété
La variété est essentielle dans une composition musicale pour créer de l’intérêt et pour le capter. Il y a plusieurs manières d’obtenir de la variété, par exemple par le contraste, en changeant le tempo, la tonalité, etc. Un compositeur peut répéter une phrase mélodique deux fois plus vite (changement de tempo) ou encore répéter cette phrase dans une tonalité différente (emprunt ou modulation). Alliée intelligemment à la répétition, la variété est un principe très fécond en composition, ce que je traduis souvent par cette phrase « en musique, on ne connaît pas la suite »

L’équilibre
L’équilibre dans la musique fait référence au volume relatif de différents sons. L’équilibre peut être également obtenu par l’égalisation de certains éléments. Par exemple, un musicien peut équilibrer les timbres par la sélection d’instruments afin d’obtenir un effet sonore particulier. L’équilibre peut aussi faire référence à des ressemblances de styles ou de durée dans les sections d’une forme d’organisation comme ABA. De même, un manque d’équilibre peut être utilisé pour créer un effet particulier. Un son très fort dans une section calme attire l’attention de l’auditeur, ou encore annonce un nouveau thème ou une nouvelle mélodie.L’acoustique
L’acoustique fait référence aux sons qui sont transmis dans un espace comme une salle, un auditorium, un théâtre, etc. Un son prend une forme dans le temps et remplit l’espace par les vibrations de l’air qu’il engendre. Les architectes étudient l’acoustique, c’est-à-dire l’influence des matériaux et de la forme des salles sur les sons. C’est un paramètre très important, déjà utilisé dans le chant grégorien au Moyen-Age, mais qui est devenu très sensible au XXème siècle avec les questions de spatialisation notamment.

La transition
En musique, la transition est un pont qui indique le passage d’une partie vers une autre, tout en préservant le caractère de la pièce musicale. Si certaines transitions sont subtiles pour les novices, d’autres le sont moins et elles attirent l’attention de l’auditeur dès la première écoute.Le climax, le dénouement
Toute œuvre musicale doit commencer quelque part, se développer dans une certaine direction et, finalement, arriver à une conclusion. Une pièce musicale peut atteindre graduellement un summum d’intensité ou d’intérêt ; on parle alors de point culminant ou climax. Le point culminant peut être atteint par l’utilisation de différents éléments. Par exemple, on peut utiliser des nuances, une mélodie ascendante ou encore une harmonie dissonante, pour ensuite diminuer jusqu’à l’acalmie ou la résolution. Ce qui signifie que les éléments sont organisés pour qu’une sensation de relâchement ou de détente se crée. La résolution du point culminant révèle l’importance de ce qui s’est passé auparavant dans la pièce.

L’unité
Il y a unité lorsque toutes les parties de la pièce musicale contribuent à l’harmonie et à l’équilibre. Les éléments, les idées et les principes sont organisés de telle sorte qu’il est impossible d’enlever une portion de la pièce sans en endommager l’intégrité. En musique, les séquences sont étroitement liées à la forme. Les principes de la forme sont l’unité, la variété et l’équilibre. Les phrases musicales sont combinées pour créer une structure ou une forme en musique. La forme est habituellement décrite par des lettres. Par exemple, la forme AB décrit une organisation sonore comprenant deux sections contrastantes. La forme ABA comprend deux sections contrastantes dont la première section est répétée et termine la pièce.

Fonctions de la musique

La musique a toujours reflété l’activité humaine en exprimant les attitudes et les valeurs culturelles des sociétés et en étant un véhicule de l’expression personnelle. La musique peut jouer de nombreux rôles, tels qu’évoquer des sentiments personnels, appuyer d’autres formes artistiques, faire la promotion d’un bien de consommation, exprimer des idées musicales personnelles, inspirer un sentiment patriotique, communiquer un message, renforcer des croyances religieuses ou encore divertir…

Conclusion

Une composition musicale peut être définie comme étant un arrangement sonore utilisant des sons de l’environnement naturel ou électronique.

Pour ceux et celles qui penseraient que cet article ne donne qu’une vision froide et technique de la musique, je citerai Nietzsche dans le paragraphe 215 de Humain trop Humain, je trouve que ce paragraphe correspond très bien à ma position face à la Musique (c’est moi qui souligne dans le texte).

« je distingue, en ce qui concerne la musique, la véritable compréhension (ou compréhension authentiquement esthétique) de la compréhension symbolique. Dans le second cas, la musique n’est qu’un moyen, puisqu’elle est simplement le véhicule d’un sens extra musical qui est proprement ce qui m’affecte dans la musique – de sorte que la musique, en elle-même et par elle-même, n’a au fond aucune importance et qu’il ne s’agit pas, dans ce type d’attitude, d’une attitude proprement esthétique (ce qui au fond m’intéresse, ce n’est pas la musique, mais ce qu’elle suggère ou ce qu’elle évoque en moi : ce qui m’intéresse, c’est moi). Dans le premier cas en revanche, ce qui m’intéresse, ce n’est pas moi, mais c’est la musique qui se trouve dès lors promue, non pas moyen, mais fin en soi : ce qui m’intéresse, c’est cette œuvre musicale dans sa configuration absolument individuelle.« 

12 commentaires »

  1. tontonsylvain a dit

    15 ans de guitare…pas une seconde de théorie, ça a finis par me manquer et du coup grace au web je commence à comprendre certaines choses…
    ton site est vraiment excellent ( par rapport à tous ceux que j’ai vu, et ils sont nombreux !!)
    J’ai l’intention de composer un morceau ( ce seras le 1er qui ne seras pas du punk..lol) me faire comme un exercice pour appliquer tout ce que j’essais d’apprendre, mais je suis au tout début, et betement …je ne sais pas par quoi commencé.
    j’ai envie d’un truc un peut « fusion » entre rythme jazz « technoifié » plaqué un genre d’anatole …
    D’après toi serait-il plus interresant de commencé par la mélodie ou de faire un grand caneva avec la grille d’accord, la travailler pour qu’elle soit interresante, et chercher une mélodie après?

    • Jack a dit

      bonjour tonton,

      tu poses une question complexe, à laquelle je vais essayer de répondre en restant au niveau pratique.
      Dans l’absolu, je dirais « commence par développer une mélodie« . Et ensuite, tu harmonises. Pour finir, tu crées les différentes parties, guitare, basse, batterie etc. Et tu fais tourner.

      Maintenant, il est vrai que dans certains styles, on commencera « à l’envers » ! Dans le rock et le hard-rock, on cherchera d’abord un riff. Dans le funk on cherchera un groove, à faire tourner une rythmique. Dans le blues, on cherchera aussi un tempo, un feeling, et on touchera pas vraiment à la structure du blues (les 12 mesures). Dans le jazz, on écrira un thème qui pourra d’ailleurs très souvent s’appuyer sur un canevas existant (anatole par exemple). Dans une chanson, on pourra même essayer de créer la mélodie en même temps qu’on cherche les accords (on essayera des bribes de paroles en même temps si possible).

      Comme tu le vois, y’a plein de possibilités.

      Dis-moi ce que tu en penses.

      A bientôt

      Jack

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